El bajo continuo no era sólo ruido de fondo. Fue un motor estructural para la música de los siglos XVII y XVIII. Piense en ello como un sistema de acompañamiento parcialmente improvisado. Un teclista, generalmente en un órgano o clavecín, llenaría los vacíos. No leyeron todas las notas. Leyeron una línea de bajo y descubrieron el resto.
Esta fue la norma durante aproximadamente dos siglos. Sólo se escribió la línea de bajo. En los textos más antiguos se le llamaba “bajo completo”. Eso le dio al teclista un gran margen de maniobra. Tenían que darse cuenta de las implicaciones armónicas. Miraron la parte de agudos en busca de pistas. Luego construyeron la armonía subyacente.
Un instrumento de melodía baja a menudo duplicaba el bajo. Viola da gamba. Violonchelo. Fagot. Cualquiera de ellos podría reforzar los cimientos. Pero el teclista tuvo ayuda extra. Aparecieron figuras encima de las notas bajas. Esta fue una taquigrafía musical. Le decía al intérprete la estructura interválica de los acordes.
La revolución monódica y por qué importó
Este estilo no apareció de la nada. Fue una consecuencia lógica de la revolución monódica de alrededor de 1600. Los compositores querían declarar la supremacía de los agudos. Rechazaron la homogeneidad textural de la polifonía renacentista. La música multivoz se contrajo en las dos manos de un instrumentista.
Las consecuencias fueron inmediatas. Tanto la música sacra como la secular cambiaron. Agostino Agazzari notó este cambio desde el principio. Publicó un manual en 1607 llamado Del sonare sopra ‘l basso. Eran literalmente instrucciones sobre cómo tocar el bajo.
J.S. Bach y el colmo de la improvisación
No todos vieron esto como un atajo. J.F. Daube escribió en General-Bass (1756) que J.S. Bach llevó este estilo a su apogeo.
“Sabía cómo introducir un punto de imitación tan ingeniosamente en la mano derecha o en la izquierda y cómo introducir un contratema tan inesperado, que el oyente habría jurado que todo había sido compuesto de esa forma con la más cuidadosa preparación”.
El bajo continuo no era simplemente una taquigrafía conveniente. Le añadió entusiasmo. Invitaba a la improvisación espontánea. El intérprete utilizó su capacidad de creatividad en tiempo real.
Cómo funciona la notación de bajo figurado
Comprender la notación de bajo figurado requiere un cambio de perspectiva. Los intervalos se cuentan desde el bajo hacia arriba. Tomemos el ejemplo de 7/3 sobre G.
Esto indica un acorde construido sobre G. Contiene una séptima (G a f) y una tercera (G a b). El quinto implícito es d. Entonces obtienes G – b – d – f.
El intérprete puede manipular el espaciado. Pero normalmente no tocan más que la parte solista. Las cifras siguen siendo mínimas. Indican sólo los intervalos más característicos. Los accidentes importan. Se marcan sostenidos, bemoles o naturales no implícitos.
Normalmente sólo se indican las armonías principales. Se omiten las armonías pasajeras. El propio intérprete añade notas de paso.
De realizaciones simples a complejas
La realización del bajo continuo varía enormemente. Puede ser una simple armonización. O puede ser una exploración extensa de la armonía y el contrapunto.
Un “acompañamiento completo” puede requerir tantas notas como los dedos puedan manejar. En estos casos densos, se renuncia a las reglas contra quintas consecutivas. Esta excepción se aplica sólo a las dos partes exteriores. Las voces inferior y superior tienen más libertad. Las voces interiores se mantienen más tensas.
Fue una danza entre estructura y libertad. La línea de bajo proporcionó el esqueleto. El teclista proporcionó la carne. Los oyentes escucharon un producto terminado. Rara vez vieron la maquinaria de improvisación detrás de esto. Por eso los contrapuntos de Bach parecían tan premeditados. Lo eran, en cierto sentido. Pero tampoco lo fueron.
