Il basso continuo non era solo rumore di fondo. Era un motore strutturale per la musica del XVII e XVIII secolo. Pensatelo come un sistema di accompagnamento parzialmente improvvisato. Un tastierista, di solito all’organo o al clavicembalo, riempiva le lacune. Non hanno letto ogni singola nota. Hanno letto una linea di basso e hanno capito il resto.
Questa fu la norma per circa due secoli. È stata scritta solo la linea di basso. Nei testi più antichi veniva chiamato “basso continuo”. Ciò ha dato al tastierista un ampio margine di manovra. Dovevano rendersi conto delle implicazioni armoniche. Hanno guardato la parte degli acuti per trovare indizi. Poi hanno costruito l’armonia sottostante.
Uno strumento dalla melodia bassa spesso raddoppiava il basso. Viola da gamba. Violoncello. Fagotto. Ognuno di questi potrebbe rafforzare le fondamenta. Ma il tastierista ha avuto un aiuto extra. Le figure apparivano sopra le note basse. Questa era una scorciatoia musicale. Raccontava al musicista la struttura intervallare degli accordi.
La rivoluzione monodica e perché è importante
Questo stile non è apparso dal nulla. Era una conseguenza logica della rivoluzione monodica intorno al 1600. I compositori volevano dichiarare la supremazia degli acuti. Rifiutavano l’omogeneità strutturale della polifonia rinascimentale. La musica a più voci veniva contratta nelle due mani di uno strumentista.
Le conseguenze furono immediate. Sia la musica sacra che quella profana sono cambiate. Agostino Agazzari si accorse presto di questo cambiamento. Pubblicò nel 1607 un manuale intitolato Del sonare sopra ’l basso. Erano letteralmente istruzioni su come suonare il basso puro.
J.S. Bach e l’altezza dell’improvvisazione
Non tutti la consideravano una scorciatoia. J.F. Daube scrisse in General-Bass (1756) che J.S. Bach ha portato questo stile al suo apice.
“Sapeva come introdurre un punto d’imitazione così ingegnosamente sia con la mano destra che con la mano sinistra e come introdurre un controtema così inaspettato, che l’ascoltatore avrebbe giurato che fosse stato tutto composto in quella forma con la più attenta preparazione.”
Il basso continuo non era semplicemente una comoda abbreviazione. Ha aggiunto gusto. Invitava all’improvvisazione spontanea. L’esecutore ha attinto alla propria capacità di creatività in tempo reale.
Come funziona la notazione per basso figurato
Comprendere la notazione del basso figurato richiede un cambiamento di prospettiva. Gli intervalli si contano dal basso in su. Prendiamo l’esempio di 7/3 sopra G.
Ciò indica un accordo costruito su G. Contiene una settima (G in fa) e una terza (G in si). La quinta implicita è d. Quindi ottieni Sol–b–d–f.
L’esecutore può manipolare la spaziatura. Ma normalmente non suonano al di sopra della parte solista. Le cifre restano minime. Indicano solo gli intervalli più caratteristici. Gli incidenti contano. I diesis, i bemolle o i naturali non impliciti vengono contrassegnati.
Di solito vengono indicate solo le armonie principali. Le armonie di passaggio vengono saltate. L’esecutore aggiunge lui stesso le note di passaggio.
Dalle realizzazioni semplici a quelle complesse
La realizzazione del basso continuo varia notevolmente. Può essere una semplice armonizzazione. Oppure può essere un’esplorazione approfondita dell’armonia e del contrappunto.
Un “accompagnamento completo” potrebbe richiedere tante note quante le dita possono gestire. In questi casi densi si deroga alle regole contro le quinte consecutive. Questa eccezione si applica solo alle due parti esterne. Le voci più basse e più alte hanno più libertà. Le voci interiori restano più serrate.
Era una danza tra struttura e libertà. La linea di basso ha fornito lo scheletro. Il tastierista ha fornito la carne. Gli ascoltatori hanno ascoltato un prodotto finito. Raramente vedevano la macchina dell’improvvisazione che c’era dietro. Ecco perché i contrappunti di Bach sembravano così premeditati. Lo erano, in un certo senso. Ma non lo erano nemmeno.
