Bum! Bzzz! Pow! Nejsou to jen náhodné zvuky načmárané v rohu. Je to vizuální dialekt zvláštního druhu lidské komunikace. Znáte je jako srdce komiksů.
Tyto publikace zaujímají zvláštní, ale úžasné místo v americké historii. Jsou jako jablečný koláč a čtvrtý červenec v literatuře. Plné ikonických snímků, vysoce sázkových dramat a příležitostného umění, které si zaslouží vystavení v Muzeu moderního umění (MoMA).
Dnes je vidíte všude. Knihkupectví v nákupních centrech na periferii. Butiky pro geeky. Novinové stánky. Filmy podle nich ovládaly pokladny po celé měsíce. To je celkem pochopitelné. Tyto příběhy inspirovaly fanatickou subkulturu s vlastním slangem a vnitřními vtipy. Každý fanoušek raného díla Kevina Smithe bude přesně vědět, co tím myslím.
Filmy ale nejsou jediným zdrojem, který z této studny čerpá inspiraci. Rozmanitost komiksů a souvisejících děl je tak velká, že musíme nejprve definovat samotný pojem.
Definice žánru: zdaleka ne jen „vtipné stránky“
Komiksy kombinují ručně kreslené umění – barevné, černobílé nebo obojí – s textem a vyprávějí příběh. Obvykle mají 20–30 stran. Jakmile délka překročí tuto značku, vydavatelé jim začnou říkat grafické romány.
Je snadné je vizuálně rozpoznat. Každá stránka je rozdělena na panely (nebo rámečky). Jsou od sebe odděleny rámečky. Každý panel obsahuje část příběhu. Možná je to dialog. Možná vnitřní myšlenky postavy, zobrazené prostřednictvím mluv a bublin myšlenek.
Panely jsou obvykle odděleny prázdnými prostory nazývanými okapy. Umělci uspořádají stránky tak, aby panely logicky přecházely do sebe. Vedou pohled čtenáře. To umožňuje čtenáři vnímat příběh sekvenčně. Odtud název komiksu – sekvenční umění. Specifický typ grafického vyprávění.
Lidé jsou stále skeptičtí k myšlence komiksu jako „umění“. Tento žánr má za sebou historii levného zábavního obsahu nízké úrovně. Ale ty dny jsou pryč. Moderní komiksy pokrývají tolik žánrů a témat, od veselých po zralé, jako tradiční romány.
Komiksy jsou globální. Ale v tomto pohledu na to, jak komiks poprvé ožil, se zaměříme na americký vývoj komiksového umění se zmínkami o mezinárodních gigantech.
Původ prvního komiksu
Zeptejte se tří odborníků, který komiks byl první. Pravděpodobně dostanete tři různé odpovědi. Záleží na přesné sémantice, kterou používají k definování žánru.
Historie však poukazuje na rok 1842. Tehdy se v Americe objevila kniha, skládající se výhradně z panelových kreseb a popisků. Byla to The Adventures of Obadiah Oldbuck. Napsal Rodolphe Toepffer. Byl švýcarským učitelem a umělcem. Mnoho historiků považuje Abdiáše za první komiks.
Po Topfferově průlomu se komiks šířil pomalu. Pohybovaly se tiskovým médiem jako pomalé vypalování.
Moderní komiksy vyrostly z komiksových stripů. Téměř vždy byli vtipní. Proto se dochovalo slovo „komik“. Krátké vícepanelové příběhy jako „Žluté dítě“ se objevily v novinách od roku 1895. Žluté dítě používalo řečové bubliny. Konvence, která se v moderních komiksech používá dodnes.
Komiksy byly jen jednou etapou ve vývoji komiksů. Od přelomu století až do 30. let 20. století vydavatelé vyrobili stovky různých stripů. Vystupovaly v nich takové stále známé postavy jako Dick Tracy, Popeye a Little Orphan Annie.
Tyto stripy se objevovaly nejen v nedělních humorných přílohách. Jiné formy komiksů se objevily v novinových stáncích a na čerpacích stanicích. Vycházely ve formě komiksů. A jako reklamní triky.
V roce 1933 se začal formovat moderní komiks. Začalo to vydáním Funnies on Parade. Společnost Eastern Color Printing znovu vydala tento krátký výběr komiksů. Používali stránky bulvárního formátu. To jednoduše znamenalo, že publikace byla co do velikosti menší než noviny té doby.
Funnies se neprodaly. Společnost Procter & Gamble je rozdala zdarma v rámci firemní reklamní kampaně. To se ukázalo jako velmi úspěšné.
Eastern Color se rozhodl využít nashromážděné dynamiky. Začali prodávat komiks. Pořád to byly dotisky nedělních vtipných stripů. V kioscích se prodávaly dobře. To otevřelo dveře pro další velký skok v komiksové metamorfóze.
Epické komiksové dobrodružství právě začínalo. Zcela nové komiksy a jejich hlavní postavy měly způsobit revoluci v komiksovém umění. S mírnou mírou nadsázky můžeme říci, že by mohly změnit běh lidských dějin.
Komiks na druhé straně oceánu
Evropa má svou vlastní bohatou historii komiksů. Stejně jako se hamburger ve Francii liší od hamburgeru v USA, komiksové umění vypadá jinak v závislosti na tom, ze které strany oceánu pochází.
Ikonické titulky pocházejí z Evropy. Mají své vlastní stylistické trendy a témata. Máme Tintina z Belgie. “Asterix a Obelix” z Francie. “Tex Wheeler” z Itálie. “Agent 372” z Nizozemska. “The Beano” z Anglie. A dokonce i „Šmoulové“ z Belgie.
Základ byl položen. Jeviště je připraveno. Ale skutečná exploze amerického komiksového průmyslu – toho, který vytvořil žánr superhrdinů, který známe dnes – se chystá.
Zlatý věk jen tak neskončil. Byl uškrcen.
Koncem 40. let se poválečný přesycený trh se superhrdiny rozběhl. Vydavatelé se zoufale snažili přežít. Dramaticky přesunuli své zaměření na sci-fi, westerny, krimi a horor. Konkrétně pro hororový žánr. Byl to tah, který měl být vítězný. A ten, který vedl ke katastrofálnímu selhání.
Na pódium vystoupil Frederick Wertham. Psychiatr, který se chtěl zabývat komiksy. V roce 1954 vydal knihu The Seduction of Innocence. Tato kniha nekritizovala jen komiksy. Obvinila je z kriminality mládeže. Tvrdí se, že čtení o upírech a gangsterech dělá z dětí zločince. Rodiče zpanikařili. Kulturní nálada se přes noc změnila.
Průmysl neodpověděl s právníky. Odpověděla cenzurou.
Sytič komiksového kódu
Aby si vydavatelé zachránili vlastní skiny, vytvořili Comics Control Committee (CCA). Nebylo to jen doporučení. Byl to přísný soubor pravidel navržených tak, aby komiksy byly zcela sterilní.
co bylo cílem? Úplná nevinnost.
Pokud jste chtěli oficiální pečeť schválení, museli jste se řídit kodexem. Žádný “horor”. Žádný „horor“ (strach). Upíři? Zakázáno. zombie? Zmizel. Vlkodlaci? Neexistovaly. Mučení? Ne na vašich stránkách.
Superman a Batman nepotřebovali velké změny, ale žánr se posunul. Hororové komiksy byly prakticky zničeny. Mainstreamové publikace se staly nudnými, bezpečnými a zcela zapomenutelnými. Rodiče se cítili lépe. Prodeje? No, prodeje stagnovaly. Médium ztratilo svůj náskok. Stal se provinilým potěšením pro děti, které chtěly nakouknout do něčeho trochu zlobivého, ale nikdy do něčeho skutečně provokativního.
Nebo to tak vypadalo.
Podzemní výbuch
Kód zabil hrůzu v hlavním proudu. Vytvořil také vakuum.
A do tohoto vakua vtrhla kontrakultura 60. let.
Nezávislí umělci a vydavatelé si uvědomili, že nejsou vázáni pravidly CCA, pokud nechtějí tuto pečeť schválení. Nezajímalo je to znamení. Zajímala je svoboda. Tak se objevil podzemní komiks, často nazývaný komiks (komix).
Nebyly to knihy o superhrdinech. Byli nepořádní, hlasití a otevření.
- Sex. Drogy. Rock and roll.
- Politická satira.
- Vizuální obscénnost.
Umělci jako Robert Crumb se stali novými rockovými hvězdami. Kočka Fritz se stala kulturním fenoménem. Trashman a Vander Wart-Hoog nabídli absurditu a satiru, které by se mainstreamoví vydavatelé nikdy nedotkli.
Tohle nebyla jen vzpoura. Bylo to umělecké probuzení.
Bez prodejních kvót a cenzury tvůrci experimentovali. Zápletky se staly složitými. Umění je sofistikované. Médium shodilo naivní kůži a získalo literární jádro. Kritici, kteří dříve nazývali komiksy „odpadky“, si toho začali všímat. Stigma začalo praskat.
Underground dokázal, že komiks může být o víc než jen o spandexu. Mohou být o umění. O pravdě. O chaotických aspektech lidské povahy.
Zlomení těsnění
Trvalo desítky let, než mainstream dohnal underground. Posun byl ale nevyhnutelný.
V roce 2011 udělal DC Comics tiché, ale monumentální rozhodnutí. Oficiálně odstoupili z výboru pro dohled nad komiksy. Byl to konec jedné éry. Padesát let autocenzury zmizelo v jednom titulku.
Marvel už kodex opustil před lety. Odchod DC byl ale symbolický. Signalizovalo to, že strach ze „zkažené mládeže“ již není obchodní nutností. Je to jen příběh.
Metamorfóza média
jaký je výsledek? Komiksová krajina, která už nebyla definována tím, co nemohla dělat.
Médium přežilo jeho vlastní čistku. Přežila odpor, cenzuru a kulturní čistky. Vynořil se z undergroundu a tlaků hlavního proudu, aby se stal něčím udržitelnějším.
Dnes na stránkách zákaz „hororu“ nebo „strachu“ nevidíte. Vidíte je všude. Od Hellboye po Ságu. Kód je duch.
Ale jizvy zůstávají. Průmysl stále balancuje mezi dostupností a složitostí. Mezi dítětem, které chce zachránit svět, a čtenářem, který chce prozkoumat temnotu.
Revoluce neproběhla s hlasitým třeskem. Stalo se to šeptem. A pak s výkřikem. A nakonec s tichem, které umožnilo dýchat skutečným příběhům.
Co se stane, když padne poslední bariéra? Stále sledujeme, abychom viděli.
- a 80. léta vše změnila. Komiks už dávno není jen jednorázová zábava. Stali se vážnými. Průmysl začal používat termín grafický román k popisu delších a složitějších příběhů. Nebyly to jednoduché příběhy o boji mezi dobrem a zlem. Dotýkali se složitých filozofických problémů. Zkoumaná morálka. Hrdinové byli nedokonalí. Byli traumatizováni. Byli to lidé.
Vzpomeňte si na titány té doby. Watchmen, Mouse, The Dark Knight Returns. Nebyly to jen knihy. Jednalo se o kulturní akce. Prokázali, že médium je schopné zprostředkovat nuance. Ukázali, co se stane, když chytří autoři spolupracují s neuvěřitelnými umělci. Výsledkem je působivá ukázka síly vyprávění.
Od té doby, co se tato převratná díla dostala na trh, žánr explodoval. Tvůrci se neohlíželi. Vzali tyto lekce a aplikovali je na každý představitelný žánr. Pokud se chcete ponořit hlouběji do historie samotného termínu, náš průvodce, jak fungují grafické romány, rozebírá jeho vývoj.
Duopoly dominuje
Možná si myslíte, že se nezávislé scéně daří. Opravdu se jí daří. Ale podívejte se na čísla. V USA nejsou DC Comics a Marvel jen velkými hráči. Jsou vším. Tvoří přibližně 80 % všech prodejů komiksů. Toto je osm z deseti knih.
Proč? Trháky. Superman, X-Men, Iron Man. Tyto franšízy řídí prodeje způsobem, který nezávislé tituly dokážou jen zřídka. Synergie mezi obrazovkou a stránkou je zřejmá.
Manga přebírá trh
Zatímco Amerika zdokonalovala svůj superhrdinský průmyslový stroj, Japonsko dělalo něco úplně jiného. Poválečné Japonsko nepřijalo jen komiksy. Přijímali je hromadně. Výsledkem byla manga.
Manga je v Japonsku populárnější než komiks ve Spojených státech. To je kulturní fenomén. Je zaměřena na všechny. Děti. teenageři. Dospělí. Muži. Ženy.
“Manga je často jednoduše černobílá s občasnými barevnými skvrnami a obsahuje příběhy, které osloví spíše dívky než chlapce.”
Tady je bod obratu. Manga neroste jen v USA. V některých kategoriích převyšuje prodeje amerických publikací. Vezměte si Death Note nebo Fake. Nejedná se o specializované produkty. To jsou mainstreamové hity.
A tady je ta úžasná část. Hnací síla tohoto trhu? Dívky. Většina manga titulů je zaměřena na ženský vkus. Styl kreslení. Příběhové oblouky. Jsou navrženy tak, aby zachytily tuto demografickou skupinu.
Kreativita je stále vysoká. V Tokiu a New Yorku spisovatelé a umělci posouvají hranice. Způsobují, že postavy vyskakují ze stránky. Ale jak to vlastně dělají? Mechanika této magie je následující.
Dopravník představivosti
Vytváření komiksů je jen zřídka osamělé úsilí. I když si můžete představit, že osamělý génius nachází inspiraci v izolaci, mainstreamový komiks spoléhá na specializovanou montážní linku. Jedna kniha obvykle vyžaduje spisovatele, tužku, barvičku, koloristu a umělce. Každá role je jedinečná. Každý z nich je nenahraditelný.
Základ položí scenárista. Rozvíjí děj a vytváří dialog. Slova ale nevkládá jen do prostoru. Vizualizuje interakci mezi textem a obrázkem. Někdy podrobně popisuje každý panel. Jindy aktivně spolupracuje s uměleckým týmem, aby zajistil plynulé vizuální vyprávění spolu s tím literárním.
Pak je na řadě umělec s tužkou. Tito umělci kreslí první skici panelů. Vytvářejí vzhled postav a prostředí. Představte si tyto náčrty jako kostru. Bez nich neexistuje žádný architektonický základ, na kterém by zbytek týmu mohl pracovat.
Přidání tvaru a nálady
Poté, co je kresba tužkou připravena, přichází do činnosti shader. To není jen mrtvice. Toto dává život. Shadery používají složité vzory stínů k přidání dramatičnosti a pohybu statickým obrázkům. Silná čára může způsobit, že postava bude vypadat impozantně. Lehký dotek může zprostředkovat rychlost nebo křehkost. Shader rozhoduje o tom, čemu by mělo oko diváka věnovat pozornost.
Po zaschnutí řasenky se kolorista pustí do práce. Zde se nálada stává hmatatelnou. Koloristé vybírají konkrétní barevnou paletu, která odpovídá vyznění příběhu. Tmavé odstíny nevyplňují jen prostor; přidávají váhu a drama. Jasnější barvy mohou vyvolat radost nebo úžas. Správná volba barev může během několika sekund proměnit děsivou scénu ve vítěznou.
Nakonec umělec písma přidává poslední vrstvu komunikace. Zveřejňuje titulky a bubliny. Na výběru písma záleží. Tučné písmo vyjadřuje důraz. Zvlněná, roztřesená písmena naznačují nejistotu nebo strach. Písmo reguluje tempo čtení a nutí čtenáře zpomalit nebo zrychlit.
Závod s časem
Laura Martin, koloristka z Marvel Comics, poznamenává, že zatímco někteří umělci se snaží obsadit všechny tyto role sami, v mainstreamovém vydavatelství je to vzácné. Proč? Termíny.
Mainstreamové komiksy přicházejí na pulty s pevným plánem jednoho vydání za měsíc. Díky časovým omezením je model spolupráce nejen výhodný, ale také nezbytný. Většina umělců a kreslířů tužkou dokáže dokončit přibližně jednu stránku za den. Do konce měsíce je připraveno k vydání standardní 20-30stránkové číslo. Toto je prostředí s vysokým tlakem. Ale systém funguje.
Den komiksů zdarma
Tato spolupráce vrcholí akcemi jako Free Comic Book Day. Koná se každoročně první květnovou sobotu a není to jen charitativní akce. Jde o strategický krok komiksových obchodů.
Obchody rozdávají určité publikace zdarma. Ano, je umístěn jako dárek pro „hodné“ děti. V praxi je dostupná všem. Cíl je dvojí: poděkovat věrným čtenářům a přilákat nové publikum. Toto je vstupní bod. Způsob, jak proměnit náhodného kupce ve skutečného kupce.
Komický život pro mě
Jak k tomu ale tito profesionálové přišli? A jaká je jejich každodenní realita?
Tvrdá práce v mainstreamovém komiksovém průmyslu je neúprosná. Termíny jsou tvrdé. Brian Stelfreeze, který nakreslil desítky obálek pro DC a Marvel, to ví lépe než většina ostatních. Trvá na tom, že v takovém prostředí je týmová práce vším.
Ale nebylo tomu tak vždy.
„Začínal jsem jako komerční ilustrátor, takže proces sdílení jednoho díla mezi třemi umělci mi připadal naprosto cizí,“ říká Stelfreeze.
A teď? Plně ocenil výhody synergie.
„Komiks závisí na synergii specialistů a vytváření díla, které je větší než součet jeho částí,“ vysvětluje. “Ale často vidím, že je jen tak silný, jak silný je jeho nejslabší článek.”
To zdůrazňuje krutou realitu pracovního procesu v komiksovém průmyslu. Můžete mít spisovatele na božské úrovni a legendu mezi inkousty, ale pokud kolorista nevyjádří náladu, celá práce se zastaví. To není jen umění. Toto je shromáždění.
Nelineární cesta ke stínování
Možná by vás zajímalo, jak takový světový umělec jako Stelfreeze skončil v komiksech.
Cesta nebyla přímá.
Pozadí Stelfreeze je patchworková přikrývka. Na střední škole kreslil redakční karikatury. V Myrtle Beach použil airbrush k aplikaci návrhů na trička. Úplně vynechal uměleckou školu, aby přijal práci komerčního ilustrátora.
Pak se znovu zamiloval do komiksů.
„Jako dítě jsem vždycky chtěl kreslit komiksy, tak jsem si řekl, že to jednou zkusím,“ řekl. “Osudová poslední slova pronesená mnoha alkoholiky, narkomany (a) upíry.”
Toto je běžný příběh. Jeden pokus vede k dalšímu. Pak smlouva. Pak kariéra.
Laura Martin se k tomuto kroku rozhodla při studiu na vysoké škole, ale z jiných důvodů.
„Četl jsem komiksy jako dítě a v raném mládí, ale většinou jsem je odmítal, dokud jsem nešel na vysokou,“ říká Martin.
Na University of Central Florida se specializovala na grafický design a vedlejší specializaci na dějiny umění. Ale ke skutečnému vzdělávání došlo v noci. Pracovala v Kinko’s.
Několik zaměstnanců bylo fanoušky komiksů. Jejich nadšení vyvolalo její vlastní zájem.
„Znovu mě to přivedlo k zájmu o komiks,“ říká.
Digitální koloristy a kreativní limity
Martinova tvorba je dnes z 99 % digitální.
Ale styly a techniky se velmi liší v závislosti na umělci.
„Vybarvování komiksů je součástí spolupráce,“ poznamenává Martin. “Nevytváříme nové umění sami. Naším cílem je vylepšit černobílé kresby tužkou a inkoustem, které jsou vytvořeny na základě příběhu napsaného scénáristou.”
To znamená, že umělci mají zřídka úplnou tvůrčí kontrolu.
Vaše práce je diktována prostředím příběhu. Důležitá je atmosféra. Osvětlení určuje vaši paletu.
Efektivita je klíčová.
„Mnoho profesionálů vybarví přes šedesát stránek měsíčně,“ říká Martin. “Takže máme techniky a styly, abychom maximalizovali produktivitu, aniž bychom obětovali vyprávění nebo styl.”
Šedesát stran měsíčně. To jsou asi dvě stránky denně. Každý den.
Není zde prostor pro chyby. Není čas na zbytečné myšlenky.
Od inkoustu k obrazovce
Při čtení tohoto komiksového popisu pracovního postupu si možná budete myslet, že celý proces zní nejasně jako filmový.
A skutečně.
Storyboardy. Barevné scénáře. Týmová produkce.
Na další stránce uvidíte, jak práce těchto umělců vlastně končí na velké obrazovce.
Komiksy přebírají stříbrné plátno
Komiksy už dávno nejsou jen pro děti. Za posledních dvacet let pronikly do všech koutů naší kultury. Hollywood se ve filmových adaptacích doslova topí.
Viděli jsme vše od Spider-Mana a Watchmen až po temnou atmosféru From Hell a Ghost World. Existuje materiál. Je tam napětí.
Někdy to funguje. Brilantně.
Vezměme Temného rytíře. Warner Bros dali do tohoto eposu o Batmanovi všechno a čísla v pokladnách to potvrdila. Vydělal více než 500 milionů dolarů. Iron Man nezůstal pozadu a vydělal přes 300 milionů dolarů. Každý z prvních tří dílů Spider-Man také překonal hranici 300 milionů dolarů.
A pak je tu Barb Wire.
Tento film? Selhání. Vydělal necelé 4 miliony dolarů. Úplný kolaps.
Jak diváci vnímají komiksové filmy
Údaje jsou jasné. Diváci reagují, když se tyto příběhy dostanou na velké plátno. Proč ale někteří vzlétají a jiní padají?
Brian Stelfreeze, slavný komiksový výtvarník, má na tuto problematiku svůj názor. Tvrdí, že komiksové filmy čelí jedinečnému problému. Jsou jen tak dobré jako zdrojový materiál. Zásadní rozdíl je ale v tom, jak tyto příběhy konzumujeme.
“Díváme se na filmy, ale interpretujeme komiksy,” vysvětlil Stelfreeze.
Filmy jsou statické. Jsou tím, kým jsou. Komiksy jsou pohlcující. Jsou interaktivní.
Když čtete komiks, doplňujete prázdná místa. Herecké výkony zajišťujete vy. Udáváte směr. Představujete si zvuk, pohyb, sílu nárazu. Text a umění mohou tvořit pouze deset procent příběhu. Odpočinek? Toto je vaše představivost, která pracuje na hranici svých možností.
Mezera mezi stránkou a obrazovkou
To vytváří zvláštní dynamiku pro filmové adaptace.
Stelfreeze poznamenává, že kvalita komiksového filmu je často stejná jako u průměrného komiksu. Uvedl příklad nejnovějšího filmu o Punisherovi. Na papíře byl normální. Průměrný, dokonce.
Ale čtenáři mají v hlavě vlastní fantasy verzi Punishera. Tato interní verze je vždy lepší než film. Vždy je brutálnější, jemnější, více vaše.
Filmy nemohou reprodukovat tuto personalizovanou fantazii. Prostě nemohou.
Komiksy se osvědčily. Infiltrovali se do společnosti. Hollywood to ví. Ale jak se v této sérii posouváme vpřed, podíváme se na to, jak se komiksy dostávají do popředí zájmu v jiných částech americké kulturní konverzace.
Blízká budoucnost komiksů
Zapomeňte na myšlenku, že grafické romány jsou jen pro děti, které nezvládnou běžný román. Médium prošlo masivní proměnou identity. Začalo to jako levná zábava. Cenzuru přežil. Nyní je to legitimní vzdělávací nástroj.
Učitelé, kteří dříve komiksy o Supermanech zabavovali, je nyní rozdávají studentům. Proč? Protože vizuální vyprávění odemyká porozumění pro nejisté čtenáře. Když je pro vás obtížné vyrovnat se s hustým textem, obrázky slouží jako most. Pomáhají studentům pochopit symboliku a narativní strukturu, aniž by se ztratili v syntaxi. Bariéra vstupu nezmizela, ale snížila se.
Tato všestrannost přesahuje fikci. Životopisné komiksy se stávají oblíbeným formátem pro vysvětlení složitých životních cest. Vezměte Bluewater Productions. Nebyli omezeni na superhrdiny. Mluvili se skutečnými lidmi.
Na konci roku 2011 vydali komiks o Donaldu Trumpovi. Toto je jen jeden záznam v katalogu, který zahrnuje Baracka Obamu, Justina Biebera a Jona Stewarta. Tento formát umožňuje vytvářet rychlé a snadno stravitelné časové osy osobností veřejného života. Proměňuje biografii ve vizuální časovou osu.
Pak se objevil internet. Webcomics zcela změnil hru. Nejsou to jen naskenované stránky z tištěných komiksů. Jsou to nativní digitální díla. Umělci mluví o nekonečném plátně. Toto je termín, který popisuje obrazovku jako neomezený pracovní prostor. Nejste omezeni otočením stránek ani náklady na tisk.
Můžete rolovat vertikálně. Panely můžete rozšiřovat do nekonečna. Samotné rozložení se stává součástí příběhu. Tato digitální svoboda dala vzniknout žánrům, které v tisku neexistují.
Ušli jsme hodně daleko od stereotypu “vtipné knihy”. Médium porazilo vládní potlačování. Získal si sympatie učitelů. Od jednorázových vtipů přešel k románovým eposům. A nyní existuje online.
Pokud je historie nějakým průvodcem, příběh ještě není úplný. právě to začíná.
Zvláštní poděkování
Zvláštní poděkování patří Lauře Martinové a Brianu Stelfreeze za jejich pomoc při přípravě tohoto článku.
