Schuld! Zap! Puh! Das sind nicht nur zufällige Geräusche, die in eine Ecke gekritzelt sind. Sie sind der visuelle Dialekt einer spezifischen Art menschlicher Kommunikation. Sie kennen sie als den Herzschlag von Comics.
Diese Veröffentlichungen nehmen einen seltsamen, wunderbaren Platz in der amerikanischen Geschichte ein. Sie sind der Apfelkuchen und der vierte Juli der Literatur. Voller ikonischer Bilder, hochriskanter Dramen und gelegentlich auch Kunst, die ins MOMA gehört.
Man sieht sie jetzt überall. Buchhandlungen in Einkaufszentren. Geek-Boutiquen. Zeitungskioske. Die darauf basierenden Filme dominieren monatelang die Kinokassen. Es macht Sinn. Diese Geschichten inspirierten eine fanatische Subkultur mit eigenem Slang und Insiderwitzen. Jeder Fan von Kevin Smiths Frühwerk weiß genau, was ich meine.
Aber Filme sind nicht das einzige Medium, das davon profitiert. Die Vielfalt an Comics und verwandten Werken ist so groß, dass wir den Begriff zunächst definieren müssen.
Das Medium definieren: Mehr als nur „lustige Seiten“
Ein Comicbuch verbindet gezeichnete Kunst – Farbe, Schwarzweiß oder beides – mit Text, um eine Geschichte zu erzählen. Sie sind in der Regel 20 bis 30 Seiten lang. Sobald sie länger werden, beginnen Verlage, sie „Graphic Novels“ zu nennen.
Sie stilistisch zu erkennen ist einfach. Jede Seite ist in Panels (oder Frames) segmentiert. Diese sind durch Ränder von anderen Panels getrennt. Jedes Panel enthält einen Teil der Geschichte. Vielleicht ist es ein Dialog. Vielleicht sind es die inneren Gedanken einer Figur, die durch Sprache und Gedankenballons gezeigt werden.
Die Paneele sind routinemäßig durch leere Bereiche, sogenannte „Dachrinnen“, getrennt. Künstler gestalten die Seiten so, dass die Panels logisch fließen. Sie leiten Ihr Auge. Dies führt dazu, dass der Leser die Geschichte der Reihe nach aufnimmt. Daher werden Comics oft als „sequenzielle Kunst“ bezeichnet. Eine besondere Art des grafischen Geschichtenerzählens.
Die Vorstellung von Comics als „Kunst“ wird immer noch verspottet. Das Medium hat eine lange Geschichte, die mit billiger, schlichter Unterhaltung verbunden ist. Aber diese Zeiten sind vorbei. Moderne Comics umfassen ebenso viele Genres und Themen – frivol und ausgereift – wie traditionelle Romane.
Comics sind global. Aber für diesen Blick auf die Entstehung von Comics konzentrieren wir uns auf die amerikanische Entwicklung der Comic-Kunst. Mit Anspielungen auf internationale Giganten.
Die Ursprünge des ersten Comics
Bitten Sie drei Experten, das allererste Comicbuch zu benennen. Sie werden wahrscheinlich drei verschiedene Antworten erhalten. Es hängt von der genauen Semantik ab, die sie zur Definition des Mediums verwenden.
Die Geschichte geht jedoch auf das Jahr 1842 zurück. Damals erschien in Amerika erstmals ein Buch mit Tafelzeichnungen und Bildunterschriften. Es war „Die Abenteuer von Obadiah Oldbuck“. Geschrieben von Rodolphe Topffer. Er war ein Schweizer Lehrer und Künstler. Viele Historiker betrachten „Obadiah“ als den ersten Comic.
Nach Topfers Durchbruch verbreiteten sich Comics nur langsam. Sie breiteten sich wie ein langsamer Brand durch die gedruckten Medien aus.
Moderne Comics sind aus Comicstrips entstanden. Diese waren fast immer humorvoll. Deshalb blieb das Wort „Comic“ bestehen. Diese kurzen Erzählungen mit nur wenigen Tafeln, wie „The Yellow Kid“, zierten ab 1895 die Zeitungsseiten. „The Yellow Kid“ verwendete Sprechblasen. Eine Konvention, die auch heute noch in modernen Comics verwendet wird.
Comics waren nur eine Phase in der Entwicklung von Comics. Von der Jahrhundertwende bis in die 1930er Jahre brachten die Verlage Hunderte verschiedener Strips heraus. Darin waren immer noch berühmte Charaktere wie Dick Tracy, Popeye und Little Orphan Annie zu sehen.
Diese Streifen tauchten nicht nur in den Sonntagskomiken auf. Andere Formen von Comics erschienen am Zeitungskiosk und in Tankstellen. Sie kamen als Comicbücher. Und als Werbegag.
Im Jahr 1933 nahm der moderne Comic Gestalt an. Es begann mit „Funnies on Parade“. Eastern Color Printing hat diese kurze Comic-Sammlung nachgedruckt. Sie verwendeten Seiten im Tabloidformat. Dies bedeutete lediglich, dass die Publikation einen kleineren Umfang hatte als die damaligen Zeitungen.
„Funnies“ stand nicht zum Verkauf. Proctor and Gamble hat es im Rahmen einer Firmenwerbung verschenkt. Es erwies sich als sehr erfolgreich.
Eastern Color beschloss, die Dynamik zu nutzen. Sie begannen, ein Comicbuch zu verkaufen. Dabei handelte es sich noch um Nachdrucke lustiger Sonntagsstreifen. Am Zeitungskiosk verkauften sie sich recht gut. Dies öffnete die Tür für den nächsten großen Sprung in der Comic-Metamorphose.
Das epische Abenteuer der Comics hatte gerade erst begonnen. Neumodische Comics und ihre Hauptfiguren waren dabei, die Comic-Kunst zu revolutionieren. Mit nur einer Spur Übertreibung hätten sie vielleicht den Lauf der Menschheit verändert.
Comics über den großen Teich
Europa hat seine eigene reiche Comic-Geschichte. So wie sich ein Cheeseburger in Frankreich von einem in den USA unterscheidet, sieht die Kunst des Comics anders aus, je nachdem, von welcher Seite des Teichs sie stammt.
Wegweisende Titel haben ihren Ursprung in Europa. Sie haben ihre eigenen stilistischen Tendenzen und Themen. Sie haben „TinTin“ aus Belgien. „Asterix und Obelix“ aus Frankreich. „Tex Willer“ aus Italien. „Agent 372“ aus den Niederlanden. „The Beano“ aus England. Und sogar „Die Schlümpfe“ aus Belgien.
Der Grundstein ist gelegt. Die Bühne ist bereitet. Doch der eigentliche Boom der amerikanischen Comic-Industrie – derjenige, der das Superhelden-Genre hervorgebracht hat, das wir heute kennen – steht vor der Tür.
Das goldene Zeitalter ging nicht einfach zu Ende. Es wurde erstickt.
In den späten 1940er Jahren war die Nachkriegsschwemme an Superhelden zurückgegangen. Die Verleger kämpften ums Überleben. Sie beschäftigten sich intensiv mit Science-Fiction, Western, Kriminalität und Horror. Genauer gesagt: Horror. Das war der Killer-Move. Und derjenige, der katastrophal nach hinten losging.
Auftritt Frederic Wertham. Ein Psychiater, der ein Hürden zu rupfen hat. 1954 ließ er Seduction of the Innocent fallen. Das Buch kritisierte nicht nur Comics. Es machte sie für Jugendkriminalität verantwortlich. Darin wurde behauptet, die Lektüre von Vampiren und Gangstern habe Kinder zu Kriminellen gemacht. Die Eltern gerieten in Panik. Die kulturelle Stimmung änderte sich über Nacht.
Die Branche wehrte sich nicht mit Anwälten. Es wehrte sich mit einem Maulkorb.
Der Comic-Code Stranglehold
Um ihre Skins zu retten, gründeten Verlage die Comics Code Authority (CCA). Das war keine Vorschlagsbox. Es handelte sich um ein strenges Regelwerk, das Comics völlig steril machen sollte.
Das Ziel? Völlige Unschuld.
Wenn Sie das offizielle Gütesiegel haben wollten, mussten Sie sich an den Kodex halten. Kein „Terror“. Kein „Horror“. Vampire? Verboten. Zombies? Gegangen. Werwölfe? Du hast sie nicht gesehen. Folter? Nicht auf Ihren Seiten.
Bei Superman und Batman musste sich nicht viel ändern, aber das Genre veränderte sich. Horrorcomics waren praktisch tot. Mainstream-Titel wurden langweilig, sicher und völlig vergessen. Den Eltern ging es besser. Verkäufe? Nun ja, der Umsatz stagnierte. Das Medium verlor seine Schärfe. Es wurde zu einem heimlichen Vergnügen für Kinder, die einen heimlichen Blick auf etwas etwas Freches werfen wollten, aber nie auf etwas wirklich Transgressives.
Zumindest schien es so.
Die unterirdische Explosion
Der Kodex tötete den Mainstream-Horror. Es entstand auch ein Vakuum.
Und in dieses Vakuum trat die Gegenkultur der 1960er Jahre.
Unabhängige Künstler und Verleger erkannten, dass sie nicht an das CCA gebunden waren, wenn sie das Siegel nicht wollten. Das Siegel war ihnen egal. Ihnen lag die Freiheit am Herzen. Daraus entstanden Underground-Comics, die oft als Comix bezeichnet werden.
Das waren keine Superheldenbücher. Sie waren chaotisch, laut und explizit.
- Sex. Drogen. Rock’n’Roll.
- Politische Satire.
- Visuelle Obszönität.
Künstler wie Robert Crumb wurden zu den neuen Rockstars. Fritz the Cat wurde zu einem kulturellen Phänomen. Trashman und Wonder Wart-Hog boten Absurdität und Satire, die Mainstream-Verleger niemals anfassen würden.
Das war nicht nur Rebellion. Es war ein künstlerischer Aufbruch.
Ohne Verkaufsquoten oder Zensur experimentierten die YouTuber. Die Handlungsstränge wurden komplex. Die Kunst wurde anspruchsvoll. Das Medium legte seine kampflustige Haut ab und entwickelte ein literarisches Rückgrat. Kritiker, die Comics als „Trash“ bezeichnet hatten, wurden aufmerksam. Das Stigma brach zusammen.
Der Untergrund bewies, dass es in Comics um mehr als nur Spandex gehen kann. Es könnte sich dabei um Kunst handeln. Über die Wahrheit. Über die chaotischen Seiten des Menschseins.
Das Siegel brechen
Es dauerte Jahrzehnte, bis der Mainstream aufholte. Aber der Wandel war unvermeidlich.
Im Jahr 2011 traf DC Comics eine stille, aber monumentale Entscheidung. Sie haben sich offiziell aus der Comics Code Authority zurückgezogen. Es war das Ende einer Ära. Fünfzig Jahre Selbstzensur, verschwunden in einer Unterschrift.
Marvel hatte den Code bereits Jahre zuvor verlassen. Aber DCs Abgang war symbolisch. Es signalisierte, dass die Angst, die Jugend zu korrumpieren, keine geschäftliche Notwendigkeit mehr sei. Es war einfach Geschichte.
Die Metamorphose eines Mediums
Das Ergebnis? Eine Comic-Landschaft, die nicht mehr dadurch definiert wurde, was sie nicht konnte.
Das Medium hatte seine eigene Reinigung überstanden. Es hatte die Gegenreaktion, die Zensur und die kulturellen Säuberungen überlebt. Es entstand aus dem Untergrund und dem Druck des Mainstreams, etwas Widerstandsfähigeres zu werden.
Heutzutage sind „Terror“ oder „Horror“ nicht mehr von Seiten verbannt. Man sieht sie überall. Von Hellboy bis Saga. Der Code ist ein Geist.
Aber die Narben bleiben. Die Branche balanciert immer noch zwischen Zugänglichkeit und Komplexität. Zwischen dem Kind, das die Welt retten will, und dem Leser, der die Dunkelheit erforschen möchte.
Die Revolution geschah nicht mit einem Paukenschlag. Es geschah mit einem Flüstern. Und dann ein Schrei. Und schließlich eine Stille, die die wahren Geschichten atmen lässt.
Was passiert, wenn die letzte Barriere fällt? Wir schauen immer noch zu, um es zu sehen.
Die 70er und 80er Jahre haben alles verändert. Comics sind kein Wegwerfspaß mehr. Sie wurden ernst. Die Branche begann, den Begriff „Graphic Novel“ zu verwenden, um längere, komplexere Geschichten zu beschreiben. Das waren keine einfachen Geschichten über Gut gegen Böse. Sie beschäftigten sich mit schwerer Philosophie. Sie erforschten die Moral. Die Helden hatten Fehler. Sie wurden beschädigt. Sie waren Menschen.
Denken Sie an die Titanen dieser Ära. Wächter. Maus. Der Dunkle Ritter kehrt zurück. Das waren nicht nur Bücher. Es waren kulturelle Veranstaltungen. Sie bewiesen, dass das Medium mit Nuancen umgehen kann. Sie zeigten, was passiert, wenn kluge Autoren mit unglaublichen Künstlern zusammenarbeiten. Das Ergebnis war eine Meisterleistung der Erzählkraft.
Seit diesen bahnbrechenden Veröffentlichungen ist das Genre explodiert. Die Schöpfer haben nicht zurückgeschaut. Sie haben diese Lektionen gelernt und sie auf jedes erdenkliche Genre angewendet. Wenn Sie tiefer in die Geschichte des Begriffs selbst eintauchen möchten, schlüsselt unser Leitfaden zur Funktionsweise von Graphic Novels die Entwicklung auf.
Das Duopol dominiert
Man könnte meinen, dass die Indie-Szene floriert. Es ist. Aber schauen Sie sich die Zahlen an. In den USA sind DC Comics und Marvel nicht nur groß. Sie sind alles. Sie machen etwa 80 % aller Comic-Verkäufe aus. Das sind acht von zehn Büchern.
Warum? Blockbuster-Filme. Übermensch. X-Men. Iron Man. Diese Franchises steigern den Umsatz auf eine Art und Weise, wie es eigenständige Indie-Titel selten können. Die Synergie zwischen Bildschirm und Seite ist unbestreitbar.
Manga übernimmt
Während Amerika seinen Superhelden-Industriekomplex perfektionierte, machte Japan etwas völlig anderes. Nach dem Zweiten Weltkrieg hat Japan nicht nur Comics übernommen. Sie umarmten sie massenhaft. Das Ergebnis ist Manga.
Mangas sind in Japan größer als Comics in den USA. Es ist ein kulturelles Spektakel. Es richtet sich an alle. Kinder. Teenager. Erwachsene. Männer. Frauen.
„Manga sind oft einfach Schwarz-Weiß-Zeichnungen mit nur gelegentlicher Farbe und Geschichten, die nicht Jungen, sondern Mädchen ansprechen.“
Hier ist die Wendung. In den USA wächst Manga nicht nur. In einigen Kategorien übertrifft es amerikanische Titel. Nehmen Sie Death Note oder Fake. Das sind keine Nischenprodukte. Sie sind Mainstream-Hits.
Und hier ist der überraschende Teil. Die treibende Kraft hinter diesem Markt? Mädchen. Die meisten Manga-Titel sind auf den weiblichen Geschmack ausgerichtet. Der Kunststil. Die Handlungsstränge. Sie sind darauf ausgelegt, diese Zielgruppe zu erreichen.
Die Kreativität ist immer noch hoch. In Tokio und New York überschreiten Schriftsteller und Künstler Grenzen. Sie lassen Charaktere von der Seite springen. Aber wie machen sie das eigentlich? Als nächstes kommt die Mechanik dieser Magie.
Das Fließband der Fantasie
Die Erstellung von Comics ist selten ein Solo-Auftritt. Während man sich vielleicht ein einsames Genie vorstellt, das isoliert skizziert, verlassen sich Mainstream-Comics auf ein spezialisiertes Fließband. Für ein einzelnes Buch sind normalerweise ein Autor, ein Bleistiftzeichner, ein Tintenschreiber, ein Kolorist und ein Letterer erforderlich. Jede Rolle ist anders. Jeder ist wichtig.
Der Autor legt den Grundstein. Sie konzipieren die Handlung und gestalten den Dialog. Aber sie tippen nicht nur Wörter ins Leere. Sie visualisieren, wie Text und Bild interagieren. Manchmal diktieren sie jedes Panel. In anderen Fällen arbeiten sie eng mit dem Kunstteam zusammen, um sicherzustellen, dass die Geschichte sowohl visuell als auch erzählerisch fließt.
Dann kommt der Bleistift. Diese Künstler zeichnen die groben ersten Tafeln. Sie legen die Charaktere und das Setting fest. Stellen Sie sich diese Skizzen als Skelettstruktur vor. Ohne sie gibt es keine Architektur, auf der der Rest des Teams aufbauen kann.
Muskeln und Stimmung hinzufügen
Sobald die Stifte unten sind, greift der Tintenschreiber ein. Dabei geht es nicht nur ums Nachzeichnen. Es geht darum, Leben hinzuzufügen. Inker nutzen komplexe Schattierungsschemata, um statischen Bildern Dramatik und Bewegung zu verleihen. Eine hohe Strichstärke kann einer Figur ein imposantes Aussehen verleihen. Eine leichtere Berührung kann auf Schnelligkeit oder Zerbrechlichkeit hinweisen. Der Tätowierer entscheidet, worauf das Auge fokussieren soll.
Nachdem die Tinte getrocknet ist, übernimmt der Colorist. Hier wird Stimmung spürbar. Coloristen wählen eine bestimmte Palette aus, die zum Ton der Geschichte passt. Dunkle Farbtöne füllen nicht nur den Raum; Sie verleihen Ernsthaftigkeit und Dramatik. Hellere Töne können Freude oder Staunen hervorrufen. Die richtige Farbwahl kann eine Szene in Sekundenschnelle von furchteinflößend in triumphal verwandeln.
Schließlich fügt der Letterer die letzte Kommunikationsebene hinzu. Sie platzieren Bildunterschriften und Sprechblasen. Die Wahl der Schriftart ist wichtig. Fette Schriftarten vermitteln Betonung. Verschnörkelte, wackelige Buchstaben bedeuten Unsicherheit oder Angst. Der Schriftzug lenkt das Tempo des Lesers und zwingt ihn, langsamer zu werden oder vorwärts zu eilen.
Die Zeitkrise
Laura Martin, Koloristin bei Marvel Comics, weist darauf hin, dass einige Künstler zwar versuchen, alle diese Rollen selbst zu übernehmen, dies jedoch im Mainstream-Verlag selten vorkommt. Warum? Fristen.
Mainstream-Comics kommen mit rasender Geschwindigkeit in die Regale: eine Ausgabe pro Monat. Zeitliche Beschränkungen machen das kollaborative Modell nicht nur wünschenswert, sondern notwendig. Die meisten Bleistiftschreiber und Tintenschreiber können ungefähr eine Seite pro Tag drucken. Am Ende des Monats ist eine Standardausgabe mit 20 bis 30 Seiten fertig. Es ist eine Hochdruckumgebung. Aber das System funktioniert.
Kostenloser Comic-Tag
Diese gemeinsame Anstrengung gipfelt in Veranstaltungen wie dem Free Comic Book Day. Es findet jedes Jahr am ersten Samstag im Mai statt und ist nicht nur eine Wohltätigkeitsveranstaltung. Es ist ein strategischer Schachzug der Comicläden.
Geschäfte verschenken bestimmte Titel kostenlos. Ja, es wird als Geschenk für „nette“ Kinder vermarktet. In der Praxis steht es allen offen. Das Ziel ist zweifach: Treuen Lesern danken und neues Publikum gewinnen. Es ist ein Einstiegspunkt. Eine Möglichkeit, einen Browser in einen Käufer zu verwandeln.
Ein Comic-Leben für mich
Aber wie kamen diese Profis dorthin? Und wie sieht die alltägliche Realität aus?
Der Trott der Mainstream-Comic-Veröffentlichung ist unerbittlich. Fristen sind brutal. Brian Stelfreeze, der Dutzende Cover für DC und Marvel gezeichnet hat, weiß das besser als die meisten anderen. Er besteht darauf, dass Teamarbeit in diesem Umfeld alles ist.
Das war bei ihm nicht immer so.
„Ich habe meine Karriere als Werbeillustrator begonnen, daher erschien mir der Prozess, einen Auftrag auf drei Künstler aufzuteilen, ziemlich fremd“, sagt Stelfreeze.
Jetzt? Er ist von der Synergie überzeugt.
„Comics basieren auf der Synergie von Spezialisten und der Schaffung eines Werks, das größer ist als die Summe seiner Teile“, erklärt er. „Aber ich finde, dass es oft nur so stark ist wie sein schwächstes Glied.“
Dies verdeutlicht die harte Realität des Workflows in der Comic-Branche. Sie können einen großartigen Autor und einen legendären Tuschekünstler haben, aber wenn der Kolorist die Stimmung vermisst, gerät das Ganze ins Wanken. Es ist nicht nur Kunst. Es ist Montage.
Der nichtlineare Weg zum Einfärben
Sie fragen sich vielleicht, wie ein Weltklasse-Künstler wie Stelfreeze in Comics gelandet ist.
Die Straße ist nicht gerade.
Der Hintergrund von Stelfreeze ist ein Flickenteppich. Während seiner Schulzeit zeichnete er redaktionelle Cartoons. Er hat T-Shirts in Myrtle Beach mit Airbrush bemalt. Er schwänzte die Kunstschule komplett, um eine Stelle als Werbeillustrator anzunehmen.
Dann verliebte er sich wieder in Comics.
„Als Kind wollte ich schon immer Comics zeichnen, also dachte ich, ich versuche es einfach einmal“, sagte er. „Schicksalhafte letzte Worte, die von vielen Alkoholikern, Junkies und Vampiren gesprochen werden.“
Es ist ein allgemeiner Refrain. Ein Versuch führt zum nächsten. Dann ein Vertrag. Dann eine Karriere.
Laura Martin hat an der Uni in den sauren Apfel gebissen, allerdings aus anderen Gründen.
„Als Kind und als Teenager habe ich Comics gelesen, aber bis zu meinem College-Studium habe ich sie größtenteils abgelehnt“, sagt Martin.
An der University of Central Florida studierte sie Grafikdesign als Hauptfach und Kunstgeschichte als Nebenfach. Aber die eigentliche Bildung fand nachts statt. Sie arbeitete bei Kinko.
Mehrere Mitarbeiter waren Comic-Fans. Ihre Begeisterung reaktivierte ihre eigene.
„Es hat mich wieder für Comics begeistert“, sagt sie.
Digitale Coloristen und kreative Einschränkungen
Martins Arbeit ist heutzutage zu 99 % digital.
Stil und Technik variieren jedoch je nach Künstler stark.
„Comic-Färbung ist Teil einer Zusammenarbeit“, bemerkt Martin. „Wir schaffen selbst keine neue Kunst. Unsere Aufgabe ist es, die von einem Bleistift- und Tuscheschreiber gezeichneten Schwarz-Weiß-Kunstwerke zu verbessern, die auf einer von einem Schriftsteller geschriebenen Geschichte basieren.“
Dies bedeutet, dass Künstler selten die vollständige kreative Kontrolle haben.
Ihre Arbeit wird durch den Schauplatz der Geschichte bestimmt. Die Stimmung zählt. Die Beleuchtung bestimmt Ihre Palette.
Effizienz ist der Schlüssel.
„Viele Profis färben mehr als 60 Seiten pro Monat“, sagt Martin. „Deshalb verfügen wir über Techniken und Stile, um die Produktivität zu maximieren, ohne dabei auf Storytelling oder Stil zu verzichten.“
Sechzig Seiten im Monat. Das sind ungefähr zwei Seiten pro Tag. Täglich.
Kein Raum für Fehler. Keine Zeit zum Nachdenken.
Von der Tinte zum Bildschirm
Wenn Sie diese Beschreibung eines Comic-Workflows lesen, könnten Sie denken, dass der gesamte Prozess vage filmisch klingt.
Das tut es.
Storyboards. Farbskripte. Teambasierte Produktion.
Auf der nächsten Seite erfahren Sie, wie die Arbeit dieser Künstler tatsächlich auf der großen Leinwand landet.
Comics holen sich das Silber
Comics sind nicht mehr nur etwas für Kinder. In den letzten zwanzig Jahren sind sie in jeden Spalt unserer Kultur eingedrungen. Hollywood ertrinkt geradezu in Adaptionen.
Wir haben alles gesehen, von Spider-Man und Watchmen bis hin zur düsteren Dunkelheit von From Hell und Ghost World. Das Material ist da. Die Spannung ist da.
Manchmal funktioniert es. Spektakulär.
Nehmen Sie The Dark Knight. Warner Bros. hat seine Energie in diesen epischen Batman-Streifen gesteckt, und die Kinokassen haben es bestätigt. Es brachte über 500 Millionen Dollar ein. Iron Man lag nicht weit dahinter und brachte mehr als 300 Millionen US-Dollar ein. Jeder der ersten drei Spider-Man -Filme hat ebenfalls die 300-Millionen-Dollar-Marke geknackt.
Dann gibt es noch Stacheldraht.
Das hier? Ein spektakulärer Flop. Es brachte weniger als 4 Millionen Dollar ein. Totale Katastrophe.
Wie sich das Publikum mit Comic-Filmen verbindet
Die Daten sind eindeutig. Das Publikum verbindet sich, wenn diese Geschichten auf die große Leinwand kommen. Aber warum steigen manche in die Höhe, während andere abstürzen?
Brian Stelfreeze, ein bekannter Comiczeichner, hat Gedanken zu diesem Thema. Er argumentiert, dass Comic-Filme vor einer einzigartigen Hürde stehen. Sie sind nur so gut wie das Ausgangsmaterial, aus dem sie stammen. Aber es gibt einen grundlegenden Unterschied darin, wie wir diese Geschichten konsumieren.
„Wir konsumieren Filme, aber wir interpretieren Comics“, erklärte Stelfreeze.
Filme sind statisch. Sie sind, was sie sind. Comics sind immersiv. Sie sind interaktiv.
Wenn Sie einen Comic lesen, füllen Sie die Lücken. Sie sorgen für die Schauspielerei. Sie geben die Richtung vor. Sie stellen sich den Klang, die Bewegung, das Gewicht des Schlages vor. Der Text und die Grafik geben möglicherweise nur zehn Prozent der eigentlichen Geschichte wieder. Der Rest? Das ist Ihre Fantasie, die Überstunden macht.
Die Lücke zwischen Seite und Bildschirm
Dadurch entsteht eine seltsame Dynamik bei Verfilmungen.
Stelfreeze weist darauf hin, dass die Qualität eines Comicfilms oft der eines durchschnittlichen Comics entspricht. Als Paradebeispiel nannte er den letzten Punisher -Film. Auf dem Papier war es in Ordnung. Durchschnittlich sogar.
Aber die Leser haben eine Fantasy-Version von The Punisher im Kopf. Diese interne Version ist immer besser als der Film. Es ist immer brutaler, nuancierter, mehr Du.
Filme können diese personalisierte Fantasie nicht reproduzieren. Sie können es einfach nicht.
Comics haben sich bewährt. Sie haben die Gesellschaft infiltriert. Hollywood weiß es. Aber im weiteren Verlauf dieser Serie werden wir uns ansehen, wie Comics in anderen Teilen des amerikanischen Kulturdialogs Berühmtheit erlangen.
Die unmittelbare Bedeutung von Comics
Vergessen Sie den Gedanken, dass Graphic Novels nur für Kinder gedacht sind, die mit einem Roman nicht umgehen können. Das Medium hat einen massiven Identitätswandel durchgemacht. Es begann als Pulp-Unterhaltung. Es überlebte die Zensur. Jetzt ist es ein legitimes Lehrmittel.
Lehrer, die früher Superman-Comics beschlagnahmten, verteilen sie jetzt. Warum? Denn visuelles Geschichtenerzählen ermöglicht das Verständnis für unwillige Leser. Wenn Sie Probleme mit dichtem Text haben, bieten Bilder eine Brücke. Sie helfen den Schülern, Symbolik und Erzählstruktur zu verstehen, ohne sich in der Syntax zu verlieren. Die Eintrittsbarriere ist nicht verschwunden, aber sie ist niedriger.
Diese Vielseitigkeit geht über die Fiktion hinaus. Biografische Comics werden zu einem beliebten Format zur Erklärung komplexer Lebensläufe. Nehmen Sie Bluewater Productions. Sie blieben nicht nur bei Superhelden. Sie haben es mit echten Menschen zu tun.
Ende 2011 veröffentlichten sie einen Titel über Donald Trump. Das ist nur ein Eintrag in einem Katalog, der Barack Obama, Justin Bieber und Jon Stewart umfasst. Das Format ermöglicht schnelle, verständliche Zeitpläne von Persönlichkeiten des öffentlichen Lebens. Es verwandelt die Biografie in eine visuelle Zeitleiste.
Dann gibt es noch das Internet. Webcomics haben das Spiel völlig verändert. Es handelt sich nicht nur um gescannte Seiten gedruckter Comics. Es handelt sich um native digitale Erlebnisse. Künstler sprechen von der unendlichen Leinwand. Es ist ein Begriff, der den Bildschirm als grenzenlosen Arbeitsbereich beschreibt. Sie sind nicht an Seitenwechsel oder Druckkosten gebunden.
Sie können vertikal scrollen. Sie können Panels unendlich erweitern. Das Layout selbst wird Teil der Geschichte. Diese digitale Freiheit hat Genres hervorgebracht, die es sonst nirgendwo im Druck gibt.
Wir haben uns weit von dem Stereotyp „lustiges Buch“ entfernt. Das Medium hat die Unterdrückung durch die Regierung besiegt. Es hat Pädagogen überzeugt. Es hat sich von einteiligen Witzen zu epischen Romanen entwickelt. Und jetzt lebt es online.
Wenn die Geschichte ein Anhaltspunkt ist, ist die Geschichte noch nicht zu Ende. Es fängt gerade erst an.
Besonderer Dank
Besonderer Dank geht an Laura Martin und Brian Stelfreeze für ihre Hilfe bei diesem Artikel.
