Edwin Starr fez a pergunta em 1970. “Guerra! Huh! Sim. Para que serve… absolutamente nada.” Ele tinha razão. Mas Hollywood continua fazendo filmes sobre isso. Especificamente, sobre a Segunda Guerra Mundial.
A palavra “glória” vem do latim gloria, implicando peso ou substância incrível. É fácil glorificar o lado Aliado porque as potências do Eixo eram inegavelmente más. As pessoas adoram histórias de redenção, mesmo quando escritas da perspectiva dos vencedores. Aqui está uma olhada em doze filmes que definem esse gênero, começando com as entradas mais corajosas e menos polidas que ainda atingem forte.
The Dirty Dozen: o modelo original de ação em conjunto
Lançado em 1967, The Dirty Dozen é o filme movido a testosterona por excelência. Ele explora o “aspirante a guerreiro” em qualquer visualizador. A premissa envolve um grupo de prisioneiros militares que enfrentam sentenças de morte ou longas penas de prisão. Eles recebem uma missão de alto risco pouco antes do Dia D.
Lee Marvin lidera o ataque. Seu personagem salta de pára-quedas em território alemão com esta tripulação para destruir os oficiais que planejam um contra-ataque do Dia D. A história é inspirada no Filthy Thirteen da vida real.
Apesar da falta de efeitos visuais modernos, a história se sustenta. A fórmula continua popular até hoje, vista em filmes como Esquadrão Suicida. Ele sobrevive porque a dinâmica do personagem conduz a trama.
Queda: O olhar definitivo sobre os últimos dias de Hitler
Você provavelmente já viu os memes de paródia. Os clipes furiosos de Hitler estão por toda parte. Alguns são genuinamente engraçados. Mas o material de origem é sério. Downfall (2004) é uma das melhores cinebiografias sobre o assunto.
O filme é baseado nos diários e nas memórias de Traudl Junge, secretário de Hitler durante os últimos dias do Terceiro Reich. Oferece um vislumbre íntimo de um líder carismático desmoronando em direção à morte certa. O filme também destaca Joseph Goebbels e Heinrich Himmler.
Serve como um lembrete surpreendente de que nenhuma energia é totalmente sustentável. A derrota militar é óbvia, mas a desintegração pessoal é o verdadeiro horror.
O Pianista: Sobrevivência nas ruínas de Varsóvia
Adrien Brody ganhou um Oscar por seu papel como Wladyslaw Szpilman em O Pianista (2002), de Roman Polanski. A história é baseada no livro de Szpilman, publicado logo após a Segunda Guerra Mundial. Ficou fora das prateleiras durante anos devido ao regime comunista dominante na Polónia, oferecendo uma perspectiva fora da história de guerra “oficial”.
O filme narra a vida de Szpilman na Polônia ocupada pelos alemães a partir de 1939. Enquanto sua família e amigos são enviados para campos de trabalho e extermínio nazistas, ele foge. Ele se esconde nas ruínas de Varsóvia durante anos.
Polanski dirige com uma tonalidade sombria e um ritmo que não permite desviar o olhar. Brody brilha como uma faísca na escuridão envolvente. É um terror não ficcional.
Império do Sol: a entrada esquecida de Spielberg na Segunda Guerra Mundial
Steven Spielberg dirigiu dois filmes desta lista. A Lista de Schindler é a escolha óbvia, mas Império do Sol (1987) cai consistentemente no esquecimento. Oferece uma perspectiva única fora da campanha europeia.
Situado na China ocupada pelos japoneses, Christian Bale interpreta James Graham. Ele está separado de seus pais em Xangai. Depois de sobreviver sozinho, ele é capturado e enviado para um campo de confinamento. Ele se torna um dos prisioneiros mais populares de lá.
O filme é vagamente baseado na vida do autor britânico J.G. Balard. É um tipo diferente de filme de guerra, com foco na sobrevivência e adaptação em um ambiente alienígena.
Inimigo nos Portões: O duelo de atiradores de Stalingrado
A batalha de cinco meses sobre Stalingrado é o pano de fundo de Enemy at the Gates (2001). Baseado no livro de não ficção de William Craig de 1973, descreve acontecimentos do inverno de 1942 e 1943. Hitler acreditava que seu exército era invencível. Stalin queria salvar a cidade que leva seu nome.
O personagem principal é uma versão ficcional de Vasily Zaytsev, um Herói da União Soviética. O filme inclui um duelo climático entre Zaitsev e o major Erwin König, diretor de uma escola de atiradores de elite da Wehrmacht.
É uma versão divertida de uma batalha histórica. Não é perfeito, mas capta a tensão do cerco.
Casablanca: A clássica história de fuga
Casablanca (1942) se passa durante a Segunda Guerra Mundial. O foco é um expatriado americano que deve escolher entre seu amor por uma mulher e ajudar ela e seu marido, um líder da Resistência Tcheca, a escapar. A cidade está sob controle de Vichy.
O clássico de Michael Curtiz começa com um narrador explicando que os refugiados da Europa ocupada estavam desesperados para fugir para a América. Lisboa era o ponto comum de saída, mas de difícil acesso. Muitos fizeram a perigosa viagem até Casablanca, no Marrocos. Lá, as pessoas fariam qualquer coisa para conseguir vistos de saída.
O filme é estrelado por Humphrey Bogart, Ingrid Bergman e Paul Henreid. O elenco inclui Claude Rains, Conrad Veidt, Sydney Greenstreet, Peter Lorre e Dooley Wilson. Ganhou vários prêmios da Academia, incluindo Melhor Filme, e está consistentemente classificado no topo das listas dos maiores filmes da história.
Fúria: a tripulação do tanque de Pitt luta nos últimos dias da guerra
Fury de David Ayer leva você a 1945, no momento em que as forças aliadas avançam em direção ao coração da Alemanha nazista. Brad Pitt interpreta Wardaddy, um sargento que comanda um tanque Sherman e uma tripulação que inclui Shia LaBeouf, Logan Lerman, Michael Peña, Jon Bernthal e Jason Isaacs. Não é uma história limpa. Um novato é empurrado para seu pelotão e as probabilidades estão fortemente contra ele. Em menor número e desarmados, eles atacam as linhas inimigas em uma viagem confusa e cheia de adrenalina.
O filme caiu bem com o público e a crítica. A atuação carrega o peso, e a representação do horror da guerra parece mais crua do que higienizada.
Túmulo dos vaga-lumes: uma obra-prima de Ghibli sobre como sobreviver aos bombardeios
O Studio Ghibli nem sempre fez aventuras alegres. Túmulo dos Vagalumes (1988) é baseado no conto semiautobiográfico de 1967 de Akiyuki Nosaka. Situado em Kobe, Japão, segue Seita e sua irmã de quatro anos, Setsuko, durante os meses finais da Segunda Guerra Mundial. O bombardeio incendiário americano despedaça sua família, deixando o irmão adolescente para manter sua irmã mais nova viva.
É uma visão comovente da sobrevivência. Roger Ebert chamou-o de um dos filmes de guerra mais poderosos já feitos, acrescentando-o à sua lista de grandes filmes em 2000. A animação é excelente, mas a história é um lembrete brutal do que acontece quando a vida civil colide com a guerra total.
A vida é bela: como o humor sobreviveu ao Holocausto
Roberto Benigni estrela como Guido Orefice em Life Is Beautiful (1997). Ele é dono de uma livraria judaica italiana que usa sua personalidade excêntrica e cômica para proteger seu filho da realidade do internamento em um campo de concentração nazista. O filme se inspira no livro No final, venci Hitler, de Rubino Romeo Salmonì, bem como nas experiências do pai de Benigni, que passou dois anos em um campo de trabalhos forçados alemão.
O filme é uma história de amor, coragem e força interior. Os críticos debateram o uso da comédia para lidar com assuntos tão horríveis, mas o filme se tornou um sucesso financeiro. Ganhou o Grand Prix no Festival de Cinema de Cannes de 1998 e levou para casa três Oscars, incluindo Melhor Ator para Benigni.
Os canhões de Navarone: explodindo uma fortaleza alemã no Mar Egeu
Baseado no romance de 1957, The Guns of Navarone (1961) é um filme de guerra anglo-americano dirigido por J. Lee Thompson. Inspirado na Batalha de Leros durante a Campanha do Dodecaneso, é estrelado por Gregory Peck, David Niven e Anthony Quinn.
A trama é simples: uma unidade de comando aliada tenta destruir uma fortaleza alemã aparentemente inexpugnável na ilha grega de Navarone. A fortaleza ameaça os navios da marinha aliada no Mar Egeu. É um jogo de gato e rato que envolve apostas altas. O filme foi um grande sucesso, arrecadando US$ 29 milhões em todo o mundo com um orçamento de US$ 6 milhões, o que foi uma soma significativa para a época.
Dunquerque: a história de evacuação em três frentes de Nolan
Christopher Nolan dirige o filme Dunquerque de 2017, com foco na evacuação das tropas aliadas da cidade francesa antes que as forças nazistas pudessem proteger a área. Tom Hardy, Kenneth Branagh e Mark Rylance co-estrelam, com Hans Zimmer fornecendo a trilha sonora.
Nolan estrutura o filme a partir de três perspectivas: terra, mar e ar. O diálogo é mínimo. Em vez disso, o suspense aumenta através da cinematografia e da intensa trilha sonora de Zimmer. A abordagem funcionou. Dunquerque recebeu oito indicações ao Oscar, incluindo Melhor Filme e Melhor Diretor. Os críticos elogiaram o roteiro, a direção e o estilo visual, com alguns classificando-o como o melhor trabalho de Nolan até hoje.
Bastardos Inglórios: a violenta reescrita da história de Tarantino
Quentin Tarantino pega a ficção histórica e a transforma em puro entretenimento. Bastardos Inglórios (2009) usa material de não-ficção para criar uma narrativa desconexa, mas satisfatória. Brad Pitt lidera uma equipe de soldados judeus-americanos em uma missão para rastrear soldados nazistas, torturá-los e matá-los.
Tarantino toma emprestado filmes como The Dirty Dozen e o filme italiano de 1978 The Inglorious Bastards. Ele cria um vilão, o coronel Hans Landa, interpretado por Christoph Waltz, que é ao mesmo tempo adorável e nojento. O filme culmina com um final violento para Adolf Hitler, um desfecho narrativo que a história aceita nunca entregou. É exagerado, sangrento e distintamente Tarantino.
8. A Grande Fuga (1963)
Três horas. É muito tempo para um filme feito em 1963. Mas The Great Escape ganha cada minuto. Você precisa da configuração. Você precisa de escavação. Você precisa da execução. E vale a pena, difícil.
Steve McQueen e James Garner são as estrelas aqui, e a química entre eles é algo pelo qual um diretor de 2016 mataria. Eles tiveram um relacionamento imediato. Eles eram competitivos. Ele foi traduzido diretamente para a tela.
Os dois primeiros atos tendem para a comédia. O terceiro ato entrega a ação. É um filme raro que dá um pouco a todos os presentes. A premissa é simples: pegue um grupo de prisioneiros de guerra da Segunda Guerra Mundial, diga-lhes que estão presos em um campo inevitável e observe o que acontece. Desafio aceito.
7. Cartas de Iwo Jima (2006)
Você não pode falar sobre Cartas de Iwo Jima sem mencionar Bandeiras de Nossos Pais. Eles são gêmeos. A mesma história. Perspectivas opostas.
Clint Eastwood lidou com ambos os filmes com uma tonalidade consistente. Ele contou com honra as histórias de soldados de ambos os lados da campanha do Pacífico. Mas Letters From Iwo Jima fez algo especial. Deu humanidade ao inimigo. Capturou um lado da guerra que nunca havia sido bem representado em filme antes.
É difícil culpar os jovens que lutaram por governantes ditatoriais. Muitos nasceram em culturas de honra e vergonha, onde o patriotismo e o nacionalismo estavam ligados à própria existência. Eastwood escalou Ken Watanabe como General Kuribayashi, e essa foi a decisão certa. Watanabe pode fazer qualquer coisa. Ele comanda o papel.
6. A Ponte do Rio Kwai (1957)
Os filmes feitos uma década após o fim da Segunda Guerra Mundial têm uma energia diferente. A Ponte do Rio Kwai é uma delas. George Lucas viu este filme e soube imediatamente que Alec Guinness era seu Obi-Wan Kenobi.
O Guinness tinha o dom de chamar a atenção. Em Ponte sobre o Rio Kwai, ele interpreta o Coronel Nicholson, um prisioneiro de guerra britânico em um campo japonês. Os japoneses ordenaram que ele liderasse seus companheiros prisioneiros na construção de uma ponte ferroviária sobre um rio próximo para servir a ferrovia Birmânia-Siam.
Nicholson não tem controle sobre as forças opostas. Seu primeiro instinto é sabotar o projeto. Em vez disso, ele tem muito orgulho da construção. A ponte se torna uma obsessão. O Coronel e os prisioneiros sob seu comando não sabem que já está em andamento uma missão aliada para destruir a ponte.
5. Venha e veja (1985)
Muito do cinema russo foi perdido ou ignorado pelo público americano durante a Guerra Fria. Havia um desdém geral pela União Soviética que impedia que muitas obras-primas chegassem às massas.
Venha e veja (originalmente Idi I Smotri, que se traduz literalmente como “Vá e olhe”) é uma obra-prima de meados da década de 1980 de Elem Klimov. A história segue um menino bielorrusso de 13 anos. Ele encontra um rifle velho. Ele pega o armamento. Ele embarca na luta contra as forças invasoras alemãs.
Esta é a entrada mais obscura da lista para a maioria dos telespectadores. No entanto, os historiadores da Segunda Guerra Mundial podem argumentar que é um dos maiores, se não o maior, filmes já feitos. Se você pensava que O Resgate do Soldado Ryan avançou na narrativa ao mostrar os horrores da guerra, Venha e Veja fez a mesma coisa uma década antes. Usar uma criança no meio da batalha para sugerir os males da guerra é um dispositivo cinematográfico poderoso. Atinge de forma diferente de qualquer sequência de ação.
4. Lista de Schindler (1993)
A Lista de Schindler é simplesmente um dos melhores filmes de todos os tempos. Lançado em 1993, ganhou o prêmio de Melhor Filme e outros seis Oscars no 66º Oscar.
O filme de Steven Spielberg é sobre Oskar Schindler da vida real. Schindler foi um empresário alemão que salvou a vida de mais de 1.000 judeus polacos durante o Holocausto, dando-lhes empregos nas suas fábricas. O filme é de partir o coração. Também é inspirador.
Schindler foi originalmente motivado pela ganância. Depois ele testemunhou diversas atrocidades nazistas. Ele ficou profundamente afetado. Apesar de ser um membro rico e influente do Partido Nazista, Schindler secretamente fez planos para salvar o máximo de vidas que pudesse. Ele desperdiçou toda a sua fortuna no processo.
O filme é um lembrete gritante de males indescritíveis que existiam há menos de um século. No final, Schindler fica extremamente envergonhado de suas ações. Ele gostaria de ter feito mais.
3. A bota (1981)
Wolfgang Petersen se superou com Das Boot. O assunto é pesado. O material de origem é sólido. Ele executou uma experiência cinematográfica quase perfeita.
Existem filmes da Segunda Guerra Mundial que fazem você dizer “uau”. Depois, há filmes da Segunda Guerra Mundial que fazem seu estômago revirar. Este é o último. Oferecer a perspectiva humana ao inimigo é um empreendimento ambicioso. Então você pega esse elemento e o cola em um tubo de aço abaixo da superfície do oceano. Este filme é uma rotina mental.
Das Boot conta a história de uma tripulação específica de um submarino alemão. Eles são postos à prova diariamente. Missões exigentes, ousadas e quase impossíveis chegam dos superiores. Enquanto isso, a tripulação lida com a realidade de que nada mais é do que recursos descartáveis do Terceiro Reich.
O slogan diz tudo: “40 mil homens foram enviados em submarinos alemães… 30 mil nunca retornaram.”
O salto técnico de Spielberg e o nascimento do FPS de guerra
O Resgate do Soldado Ryan não ganhou apenas um Oscar por Steven Spielberg ; alterou a gramática do próprio cinema. Embora o diretor fosse há muito atraído pelas narrativas da Segunda Guerra Mundial – moldadas pelo serviço de seu pai e pelos filmes clássicos da época – esta entrada de 1998 ultrapassou os limites técnicos. As novas técnicas cinematográficas aqui introduzidas não ficaram na tela. Eles sangraram na indústria de jogos, plantando diretamente a semente para jogos de tiro em primeira pessoa baseados na guerra. Você pode traçar uma linha direta entre a linguagem visual deste filme e a mecânica do Medal of Honor original.
O filme também preparou o cenário para Band of Brothers, provando que a escala e a intensidade da guerra poderiam ser executadas na televisão com gravidade semelhante. É um dos picos da carreira de Spielberg, uma obra que se recusa a ser datada.
Por que a tênue linha vermelha parece poesia, não propaganda
The Thin Red Line faz uma pergunta diferente. Se o filme é uma forma de arte visual, é possível eliminar o diálogo e ainda assim dizer a verdade? Terrence Malick diz que sim. Ele abandona o teatro europeu pela paisagem úmida e brutal de Guadalcanal, no Pacífico. Não há nenhum grande arco narrativo aqui. Em vez disso, o filme é uma coleção de histórias pessoais desconexas, poesia visual que revela as camadas da mente do soldado.
Você vê o medo. A lealdade. As dúvidas. E finalmente, a coragem. É um gosto adquirido, certamente. O trabalho de Malick costuma ser experimental, deixando alguns espectadores indiferentes. Mas a recompensa é imensa. Combine essa intensidade visual com a partitura de Hans Zimmer e os coros melanésios e você terá algo que não apenas mostra a guerra; permite que você habite o silêncio dentro de um capacete.
