Edwin Starr hizo la pregunta en 1970: “¡La guerra! ¡Eh! Sí. ¿Para qué sirve? Absolutamente nada”. Tenía razón. Pero Hollywood sigue haciendo películas sobre ello. En concreto, sobre la Segunda Guerra Mundial.
La palabra “gloria” proviene del latín gloria, que implica peso o sustancia increíble. Es fácil glorificar al bando aliado porque las potencias del Eje eran innegablemente malvadas. A la gente le encantan las historias de redención, incluso cuando están escritas desde la perspectiva de los ganadores. Aquí hay un vistazo a doce películas que definen este género, comenzando con las entradas más valientes y menos pulidas que aún impactan con fuerza.
The Dirty Dozen: la plantilla de acción de conjunto original
Estrenada en 1967, The Dirty Dozen es la película por excelencia impulsada por la testosterona. Aprovecha el “aspirante a guerrero” que hay en cualquier espectador. La premisa involucra a un grupo de prisioneros militares que enfrentan sentencias de muerte o largas penas de prisión. Se les ofrece una misión de alto riesgo justo antes del Día D.
Lee Marvin lidera la carga. Su personaje se lanza en paracaídas hacia territorio alemán con esta tripulación para destruir a los oficiales que planean un contraataque del Día D. La historia está inspirada en Filthy Thirteen de la vida real.
A pesar de la falta de efectos visuales modernos, la historia se sostiene por sí sola. La fórmula sigue siendo popular hoy en día, vista en películas como Suicide Squad. Sobrevive porque la dinámica de los personajes impulsa la trama.
La Caída: La mirada definitiva a los últimos días de Hitler
Probablemente hayas visto los memes de parodia. Los clips enojados de Hitler están por todas partes. Algunas son realmente divertidas. Pero el material original es serio. Downfall (2004) es una de las mejores películas biográficas sobre el tema.
La película está basada en los diarios y las memorias de Traudl Junge, secretaria de Hitler durante los últimos días del Tercer Reich. Ofrece una visión íntima de un líder carismático que se desmorona hacia una muerte segura. La película también destaca a Joseph Goebbels y Heinrich Himmler.
Sirve como un asombroso recordatorio de que ninguna energía es totalmente sostenible. La derrota militar es obvia, pero la desintegración personal es el verdadero horror.
El pianista: supervivencia en las ruinas de Varsovia
Adrien Brody ganó un Oscar por su papel de Wladyslaw Szpilman en El pianista (2002) de Roman Polanski. La historia está basada en el libro de Szpilman, publicado poco después de la Segunda Guerra Mundial. Estuvo fuera de los estantes durante años debido al régimen comunista gobernante en Polonia, ofreciendo una perspectiva fuera de la historia de guerra “oficial”.
La película narra la vida de Szpilman en la Polonia ocupada por los alemanes a partir de 1939. Mientras su familia y amigos son enviados a campos de trabajo y exterminio nazis, él escapa. Se esconde durante años en las ruinas bombardeadas de Varsovia.
Polanski dirige con una tonalidad sombría y un ritmo que no permite apartar la mirada. Brody brilla como una chispa en la oscuridad envolvente. Es terror de no ficción.
El Imperio del Sol: la entrada pasada por alto de Spielberg en la Segunda Guerra Mundial
Steven Spielberg dirigió dos películas de esta lista. La lista de Schindler es la elección obvia, pero El imperio del sol (1987) constantemente pasa desapercibida. Ofrece una perspectiva única fuera de la campaña europea.
Ambientada en la China ocupada por los japoneses, Christian Bale interpreta a James Graham. Está separado de sus padres en Shanghai. Después de sobrevivir solo, es capturado y enviado a un campo de confinamiento. Se convierte en uno de los prisioneros más populares allí.
La película está basada libremente en la vida del autor británico J.G. Ballard. Es un tipo diferente de película de guerra, que se centra en la supervivencia y la adaptación en un entorno extraño.
Enemigo a las puertas: el duelo de francotiradores de Stalingrado
La batalla de cinco meses por Stalingrado es el telón de fondo de Enemy at the Gates (2001). Basado en el libro de no ficción de William Craig de 1973, describe acontecimientos del invierno de 1942 y 1943. Hitler creía que su ejército era invencible. Stalin quería salvar la ciudad que lleva su nombre.
El personaje principal es una versión ficticia de Vasily Zaytsev, un héroe de la Unión Soviética. La película incluye un duelo culminante entre Zaitsev y el mayor Erwin König, director de la escuela de francotiradores de la Wehrmacht.
Es una versión entretenida de una batalla histórica. No es perfecto, pero capta la tensión del asedio.
Casablanca: la clásica historia de fuga
Casablanca (1942) está ambientada durante la Segunda Guerra Mundial. Se centra en un expatriado estadounidense que debe elegir entre su amor por una mujer y ayudarla a ella y a su marido, un líder de la Resistencia checa, a escapar. La ciudad está bajo control de Vichy.
El clásico de Michael Curtiz comienza con un narrador que explica que los refugiados de la Europa ocupada estaban desesperados por escapar a Estados Unidos. Lisboa era el punto de salida común, pero era difícil llegar. Muchos hicieron el peligroso viaje a Casablanca en Marruecos. Allí la gente haría cualquier cosa para conseguir visas de salida.
La película está protagonizada por Humphrey Bogart, Ingrid Bergman y Paul Henreid. El reparto incluye a Claude Rains, Conrad Veidt, Sydney Greenstreet, Peter Lorre y Dooley Wilson. Ganó varios premios de la Academia, incluida la de Mejor Película, y constantemente se ubica cerca de la cima de las listas de las mejores películas de la historia.
Furia: la tripulación del tanque de Pitt lucha durante los últimos días de la guerra
Fury de David Ayer te lleva al año 1945, justo cuando las fuerzas aliadas avanzan hacia el corazón de la Alemania nazi. Brad Pitt interpreta a Wardaddy, un sargento al mando de un tanque Sherman y una tripulación que incluye a Shia LaBeouf, Logan Lerman, Michael Peña, Jon Bernthal y Jason Isaacs. No es una historia limpia. Un novato es empujado a su pelotón y las probabilidades están muy en su contra. Superados en número y armamento, atacan las líneas enemigas en un viaje desordenado y lleno de adrenalina.
La película aterrizó bien tanto entre el público como entre la crítica. La actuación tiene el peso y la descripción del horror de la guerra se siente más cruda que limpia.
La tumba de las luciérnagas: una obra maestra de Ghibli sobre cómo sobrevivir a los bombardeos
Studio Ghibli no siempre realizó aventuras alegres. La tumba de las luciérnagas (1988) está basada en el cuento semiautobiográfico de 1967 de Akiyuki Nosaka. Ambientada en Kobe, Japón, sigue a Seita y su hermana Setsuko, de cuatro años, durante los últimos meses de la Segunda Guerra Mundial. Un bombardeo estadounidense destroza a su familia y deja al hermano adolescente a cargo de mantener con vida a su hermana pequeña.
Es una mirada desgarradora a la supervivencia. Roger Ebert la calificó como una de las películas de guerra más poderosas jamás realizadas y la agregó a su lista de grandes películas en 2000. La animación es exquisita, pero la historia es un recordatorio brutal de lo que sucede cuando la vida civil choca con la guerra total.
La vida es bella: cómo el humor sobrevivió al Holocausto
Roberto Benigni interpreta a Guido Orefice en La vida es bella (1997). Es el propietario de una librería judía italiana que utiliza su personalidad excéntrica y cómica para proteger a su hijo de la realidad del internamiento en un campo de concentración nazi. La película se inspira en el libro Al final vencí a Hitler de Rubino Romeo Salmonì, así como en las experiencias del padre de Benigni, que pasó dos años en un campo de trabajo alemán.
La película es una historia de amor, coraje y fuerza interior. Los críticos debatieron sobre el uso de la comedia para abordar un tema tan horrible, pero la película se convirtió en un éxito financiero. Ganó el Gran Premio en el Festival de Cine de Cannes de 1998 y se llevó a casa tres premios de la Academia, incluido el de Mejor Actor para Benigni.
Los cañones de Navarone: la explosión de una fortaleza alemana en el mar Egeo
Basada en la novela de 1957, The Guns of Navarone (1961) es una película de guerra británico-estadounidense dirigida por J. Lee Thompson. Inspirada en la Batalla de Leros durante la Campaña del Dodecaneso, está protagonizada por Gregory Peck, David Niven y Anthony Quinn.
La trama es sencilla: una unidad de comando aliada intenta destruir una fortaleza alemana aparentemente inexpugnable en la isla griega de Navarone. La fortaleza amenaza a los buques navales aliados en el mar Egeo. Es un juego del gato y el ratón en el que hay mucho en juego. La película fue un gran éxito, recaudando 29 millones de dólares en todo el mundo con un presupuesto de 6 millones de dólares, una suma significativa para la época.
Dunkerque: la triple historia de la evacuación de Nolan
Christopher Nolan dirige la película de 2017 Dunkerque, centrándose en la evacuación de las tropas aliadas de la ciudad francesa antes de que las fuerzas nazis pudieran asegurar la zona. Tom Hardy, Kenneth Branagh y Mark Rylance coprotagonizan, con Hans Zimmer a cargo de la música.
Nolan estructura la película desde tres perspectivas: tierra, mar y aire. El diálogo es mínimo. En cambio, el suspenso se construye a través de la cinematografía y la intensa partitura musical de Zimmer. El enfoque funcionó. Dunkerque recibió ocho nominaciones al Premio de la Academia, incluidas Mejor Película y Mejor Director. Los críticos elogiaron el guión, la dirección y el estilo visual, y algunos lo calificaron como el mejor trabajo de Nolan hasta la fecha.
Bastardos sin gloria: la violenta reescritura de la historia de Tarantino
Quentin Tarantino toma la ficción histórica y la convierte en puro entretenimiento. Inglorious Basterds (2009) utiliza material fuente de no ficción para elaborar una narrativa inconexa pero satisfactoria. Brad Pitt lidera un equipo de soldados judíos-estadounidenses en una misión para localizar a los soldados nazis, torturarlos y matarlos.
Tarantino toma prestado de películas como The Dirty Dozen y la película italiana de 1978 The Inglorious Bastards. Crea un villano en el coronel Hans Landa, interpretado por Christoph Waltz, que es a la vez adorable y repugnante. La película culmina con un final violento para Adolf Hitler, un resultado narrativo que la historia aceptada nunca entregó. Es exagerado, sangriento y claramente Tarantino.
8. La gran evasión (1963)
Tres horas. Es mucho tiempo para una película realizada en 1963. Pero The Great Escape gana cada minuto. Necesitas la configuración. Necesitas cavar. Necesitas la ejecución. Y vale la pena, mucho.
Steve McQueen y James Garner son las estrellas aquí, y la química entre ellos es algo por lo que un director de 2016 mataría. Tuvieron una relación inmediata. Eran competitivos. Se tradujo directamente a la pantalla.
Los dos primeros actos se inclinan hacia la comedia. El tercer acto entrega la acción. Es una película rara que ofrece un poco a todos los espectadores. La premisa es simple: tomar a un grupo de prisioneros de guerra de la Segunda Guerra Mundial, decirles que están atrapados en un campo del que no pueden escapar y observar lo que sucede. Desafío aceptado.
7. Cartas desde Iwo Jima (2006)
No se puede hablar de Cartas desde Iwo Jima sin mencionar Banderas de Nuestros Padres. Son gemelos. La misma historia. Perspectivas opuestas.
Clint Eastwood manejó ambas películas con una tonalidad constante. Contó con honor las historias de soldados de ambos lados de la campaña del Pacífico. Pero Cartas desde Iwo Jima hizo algo especial. Le dio humanidad al enemigo. Capturó un lado de la guerra que nunca antes había estado bien representado en una película.
Es difícil culpar a los jóvenes que lucharon por gobiernos dictatoriales. Muchos nacieron en culturas de honor y vergüenza donde el patriotismo y el nacionalismo estaban ligados a la existencia misma. Eastwood eligió a Ken Watanabe como el general Kuribayashi, y esa fue la decisión correcta. Watanabe puede hacer cualquier cosa. Él domina el papel.
6. El puente sobre el río Kwai (1957)
Las películas realizadas una década después del fin de la Segunda Guerra Mundial tienen una energía diferente. El Puente sobre el Río Kwai es uno de ellos. George Lucas vio esta película y supo de inmediato que Alec Guinness era su Obi-Wan Kenobi.
Guinness tenía el don de llamar la atención. En Bridge on the River Kwai, interpreta al coronel Nicholson, un prisionero de guerra británico en un campo japonés. Los japoneses le ordenan que dirija a sus compañeros de prisión en la construcción de un puente ferroviario sobre un río cercano para dar servicio al ferrocarril Birmania-Siam.
Nicholson no tiene control sobre las fuerzas opuestas. Su primer instinto es sabotear el proyecto. En cambio, se enorgullece mucho de la construcción. El puente se convierte en una obsesión. El coronel y los prisioneros bajo su mando no saben que ya está en marcha una misión aliada para destruir el puente.
5. Ven y verás (1985)
Gran parte del cine ruso se perdió o fue ignorado por el público estadounidense durante la Guerra Fría. Había un desdén general por la Unión Soviética que impidió que muchas obras maestras llegaran a las masas.
Ven y mira (originalmente Idi I Smotri, que se traduce literalmente como “Ve y mira”) es una obra maestra de mediados de los años 80 de Elem Klimov. La historia sigue a un niño bielorruso de 13 años. Encuentra un rifle viejo. Él toma el armamento. Se embarca en la lucha contra las fuerzas invasoras alemanas.
Esta es la entrada más oscura de la lista para la mayoría de los espectadores. Sin embargo, los historiadores de la Segunda Guerra Mundial podrían argumentar que es una de las mejores películas jamás realizadas, si no la mejor. Si pensabas que Salvar al soldado Ryan avanzaba en la narración al mostrar los horrores de la guerra, Ven y mira hizo lo mismo más de una década antes. Usar a un niño en medio de la batalla para sugerir los males de la guerra es un poderoso recurso cinematográfico. Impacta de manera diferente a cualquier secuencia de acción.
4. La lista de Schindler (1993)
La lista de Schindler es simplemente una de las mejores películas de todos los tiempos. Estrenada en 1993, ganó Mejor Película y otros seis premios Oscar en la 66ª edición de los Premios de la Academia.
La película de Steven Spielberg trata sobre Oskar Schindler en la vida real. Schindler fue un empresario alemán que salvó la vida de más de 1.000 judíos polacos durante el Holocausto dándoles trabajo en sus fábricas. La película es desgarradora. También es inspirador.
Schindler fue originalmente motivado por la codicia. Luego fue testigo de varias atrocidades nazis. Quedó profundamente afectado. A pesar de ser un miembro rico e influyente del Partido Nazi, Schindler hizo planes en secreto para salvar tantas vidas como pudiera. En el proceso desperdició toda su fortuna.
La película es un crudo recordatorio de males indescriptibles que existían hace menos de un siglo. Al final, Schindler se siente increíblemente avergonzado de sus acciones. Desearía haber podido hacer más.
3. El arranque (1981)
Wolfgang Petersen se superó a sí mismo con Das Boot. El tema es pesado. El material de origen es sólido. Ejecutó una experiencia cinematográfica casi perfecta.
Hay películas de la Segunda Guerra Mundial que te hacen decir “guau”. Luego están las películas de la Segunda Guerra Mundial que te revuelven el estómago. Este es el último. Ofrecer la perspectiva humana al enemigo es una empresa ambiciosa. Luego tomas ese elemento y lo colocas en un tubo de acero debajo de la superficie del océano. Esta película es una rutina mental.
Das Boot cuenta la historia de una tripulación de submarinos alemanes específica. Se ponen a prueba diariamente. Misiones exigentes, atrevidas y casi imposibles llegan de los superiores. Mientras tanto, la tripulación se enfrenta a la realidad de que no son más que recursos prescindibles del Tercer Reich.
El eslogan lo dice todo: “40.000 hombres fueron enviados en submarinos alemanes… 30.000 nunca regresaron”.
El salto técnico de Spielberg y el nacimiento del FPS bélico
Salvar al soldado Ryan no solo ganó un Oscar por Steven Spielberg ; alteró la gramática del cine mismo. Si bien el director se había sentido atraído durante mucho tiempo por las narrativas de la Segunda Guerra Mundial, moldeadas por el servicio de su padre y las películas clásicas de la época, esta entrada de 1998 traspasó los límites técnicos. Las nuevas técnicas cinematográficas introducidas aquí no se quedaron en la pantalla. Se infiltraron en la industria del juego y plantaron directamente la semilla de los shooters en primera persona basados en la guerra. Puedes trazar una línea directa desde el lenguaje visual de esta película hasta la mecánica de Medal of Honor original.
La película también preparó el escenario para Band of Brothers, demostrando que la escala y la intensidad de la guerra se podían representar en televisión con una gravedad similar. Se erige como una de las cimas de la carrera de Spielberg, una obra que se niega a fecharse.
Por qué la delgada línea roja parece poesía, no propaganda
La Delgada Línea Roja plantea una pregunta diferente. Si el cine es una forma de arte visual, ¿puedes eliminar el diálogo y seguir diciendo la verdad? Terrence Malick dice que sí. Abandona el teatro europeo por el paisaje húmedo y brutal de Guadalcanal en el Pacífico. Aquí no hay un gran arco narrativo. En cambio, la película es una colección de historias personales inconexas, poesía visual que desvela las capas de la mente del soldado.
Ves el miedo. La lealtad. Las dudas. Y por último, el coraje. Es un gusto adquirido, sin duda. El trabajo de Malick es a menudo experimental, lo que deja fríos a algunos espectadores. Pero la recompensa es inmensa. Combina esa intensidad visual con la partitura de Hans Zimmer y los coros melanesios y obtendrás algo que no solo te muestra la guerra; te permite habitar el silencio dentro de un casco.
