Edwin Starr stellte die Frage bereits 1970. „Krieg! Huh! Ja. Wozu ist er gut? Absolut nichts.“ Er hatte recht. Aber Hollywood dreht weiterhin Filme darüber. Konkret über den Zweiten Weltkrieg.
Das Wort „Herrlichkeit“ kommt vom lateinischen gloria und bedeutet Gewicht oder unglaubliche Substanz. Es ist leicht, die Seite der Alliierten zu verherrlichen, weil die Achsenmächte unbestreitbar böse waren. Menschen lieben Erlösungsgeschichten, auch wenn sie aus der Perspektive der Gewinner geschrieben werden. Hier ist ein Blick auf zwölf Filme, die dieses Genre definieren, beginnend mit den düstereren, weniger ausgefeilten Beiträgen, die immer noch hart ins Schwarze treffen.
Das schmutzige Dutzend: Die Original-Ensemble-Action-Vorlage
„The Dirty Dozen“ wurde 1967 veröffentlicht und ist der Inbegriff eines Testosteronfilms. Es berührt den „Möchtegern-Krieger“ in jedem Betrachter. Die Prämisse handelt von einer Gruppe von Militärgefangenen, denen die Todesstrafe oder lange Haftstrafen drohen. Ihnen wird kurz vor dem D-Day eine risikoreiche Mission angeboten.
Lee Marvin führt den Angriff an. Seine Figur springt mit dieser Besatzung mit dem Fallschirm auf deutsches Territorium, um die Offiziere zu vernichten, die einen Gegenangriff am D-Day planen. Die Geschichte ist von den echten „Filthy Thirteen“ inspiriert.
Trotz des Fehlens moderner VFX bleibt die Geschichte bestehen. Die Formel ist bis heute beliebt und in Filmen wie Suicide Squad zu sehen. Es überlebt, weil die Charakterdynamik die Handlung bestimmt.
Untergang: Der definitive Blick auf Hitlers letzte Tage
Sie haben wahrscheinlich die Parodie-Memes gesehen. Die wütenden Hitler-Clips sind überall. Einige sind wirklich lustig. Aber das Quellenmaterial ist seriös. Downfall (2004) ist eine der besten Biografien zu diesem Thema.
Der Film basiert auf den Tagebüchern und Memoiren von Traudl Junge, Hitlers Sekretärin in den letzten Tagen des Dritten Reiches. Es bietet einen intimen Einblick in einen charismatischen Anführer, der dem sicheren Tod entgegen stürzt. Der Film beleuchtet auch Joseph Goebbels und Heinrich Himmler.
Es ist eine verblüffende Erinnerung daran, dass keine Energie völlig nachhaltig ist. Die militärische Niederlage ist offensichtlich, aber der persönliche Zerfall ist der wahre Horror.
Der Pianist: Überleben in den Ruinen von Warschau
Adrien Brody gewann einen Oscar für seine Rolle als Wladyslaw Szpilman in Roman Polanskis „Der Pianist“ (2002). Die Geschichte basiert auf Szpilmans Buch, das kurz nach dem Zweiten Weltkrieg veröffentlicht wurde. Aufgrund des herrschenden kommunistischen Regimes in Polen blieb es jahrelang aus den Regalen und bot eine Perspektive außerhalb der „offiziellen“ Kriegsgeschichte.
Der Film schildert Szpilmans Leben im deutsch besetzten Polen ab 1939. Als seine Familie und Freunde in Arbeits- und Vernichtungslager der Nazis verschleppt werden, entkommt er. Er versteckt sich jahrelang in den beschossenen Ruinen Warschaus.
Polanski inszeniert mit einer düsteren Tonalität und einem Tempo, das kein Wegsehen zulässt. Brody leuchtet wie ein Funke in der umgebenden Dunkelheit. Es ist Sachbuch-Horror.
Empire of the Sun: Spielbergs übersehener Einstieg in den Zweiten Weltkrieg
Steven Spielberg hat bei zwei Filmen auf dieser Liste Regie geführt. Schindlers Liste ist die offensichtliche Wahl, aber Empire of the Sun (1987) fällt immer wieder durch das Raster. Es bietet eine einzigartige Perspektive außerhalb der europäischen Kampagne.
Christian Bale spielt James Graham und spielt im von Japan besetzten China. Er wird von seinen Eltern in Shanghai getrennt. Nachdem er alleine überlebt hat, wird er gefangen genommen und in ein Internierungslager gebracht. Er wird dort zu einem der beliebtesten Gefangenen.
Der Film basiert lose auf dem Leben des britischen Autors J.G. Ballard. Es ist eine andere Art von Kriegsfilm, der sich auf das Überleben und die Anpassung an eine fremde Umgebung konzentriert.
Enemy at the Gates: Das Stalingrader Scharfschützenduell
Die fünfmonatige Schlacht um Stalingrad ist die Kulisse für Enemy at the Gates (2001). Basierend auf William Craigs Sachbuch aus dem Jahr 1973 beschreibt es Ereignisse aus den Wintern 1942 und 1943. Hitler glaubte, seine Armee sei unbesiegbar. Stalin wollte die Stadt retten, die seinen Namen trägt.
Die Hauptfigur ist eine fiktive Version von Wassili Zaytsev, einem Helden der Sowjetunion. Der Film beinhaltet ein Höhepunktduell zwischen Zaitsev und Major Erwin König, einem Scharfschützenschulleiter der Wehrmacht.
Es ist eine unterhaltsame Interpretation einer historischen Schlacht. Es ist nicht perfekt, aber es fängt die Spannung der Belagerung ein.
Casablanca: Die klassische Fluchtgeschichte
Casablanca (1942) spielt im Zweiten Weltkrieg. Im Mittelpunkt steht ein amerikanischer Expatriate, der sich entscheiden muss, ob er eine Frau liebt oder ihr und ihrem Ehemann, einem Anführer des tschechischen Widerstands, bei der Flucht hilft. Die Stadt steht unter Vichy-Kontrolle.
Der Klassiker von Michael Curtiz beginnt damit, dass ein Erzähler erklärt, dass Flüchtlinge aus dem besetzten Europa unbedingt nach Amerika fliehen wollten. Lissabon war der übliche Ausgangspunkt, aber er war schwer zu erreichen. Viele machten sich auf die gefährliche Reise nach Casablanca in Marokko. Dort würde man alles tun, um Ausreisevisa zu bekommen.
Die Hauptrollen spielen Humphrey Bogart, Ingrid Bergman und Paul Henreid. Zur Ensemblebesetzung gehören Claude Rains, Conrad Veidt, Sydney Greenstreet, Peter Lorre und Dooley Wilson. Der Film wurde mit mehreren Oscars ausgezeichnet, unter anderem als Bester Film, und steht auf der Liste der besten Filme der Geschichte stets ganz oben.
Fury: Pitts Panzerbesatzung kämpft sich durch die letzten Kriegstage
David Ayers „Fury“ versetzt Sie in das Jahr 1945, genau zu dem Zeitpunkt, als die alliierten Streitkräfte in das Herz von Nazi-Deutschland vordringen. Brad Pitt spielt Wardaddy, einen Sergeant, der einen Sherman-Panzer befehligt und dessen Besatzung aus Shia LaBeouf, Logan Lerman, Michael Peña, Jon Bernthal und Jason Isaacs besteht. Es ist keine saubere Geschichte. Ein Neuling wird in ihren Zug geschoben, und die Chancen stehen schlecht für ihn. Sie sind zahlenmäßig und bewaffnet unterlegen und greifen in einem chaotischen, adrenalingeladenen Ritt die feindlichen Linien an.
Der Film kam sowohl beim Publikum als auch bei den Kritikern gut an. Die schauspielerische Leistung trägt das Gewicht, und die Darstellung des Kriegsschreckens wirkt eher roh als bereinigt.
Grab der Glühwürmchen: Ein Ghibli-Meisterwerk über das Überleben der Bombenanschläge
Studio Ghibli machte nicht immer unbeschwerte Abenteuer. Grave of the Fireflies (1988) basiert auf Akiyuki Nosakas halbautobiografischer Kurzgeschichte von 1967. Der Film spielt im japanischen Kobe und begleitet Seita und seine vierjährige Schwester Setsuko in den letzten Monaten des Zweiten Weltkriegs. Ein amerikanischer Brandbombenanschlag zerreißt ihre Familie und lässt den jugendlichen Bruder zurück, der seine kleine Schwester am Leben hält.
Es ist ein herzzerreißender Blick auf das Überleben. Roger Ebert bezeichnete ihn als einen der kraftvollsten Kriegsfilme aller Zeiten und fügte ihn im Jahr 2000 seiner Liste großartiger Filme hinzu. Die Animation ist exquisit, aber die Geschichte ist eine brutale Erinnerung daran, was passiert, wenn ziviles Leben mit totalem Krieg kollidiert.
Das Leben ist schön: Wie Humor den Holocaust überlebte
Roberto Benigni spielt Guido Orefice in „Life Is Beautiful“ (1997). Er ist ein jüdischer italienischer Buchladenbesitzer, der seine exzentrische, komödiantische Persönlichkeit nutzt, um seinen Sohn vor der Realität der Internierung in einem Konzentrationslager der Nazis zu schützen. Der Film ist inspiriert vom Buch „Am Ende schlug ich Hitler“ von Rubino Romeo Salmonì sowie von den Erfahrungen von Benignis Vater, der zwei Jahre in einem deutschen Arbeitslager verbrachte.
Der Film ist eine Geschichte von Liebe, Mut und innerer Stärke. Kritiker debattierten darüber, ob man dieses schreckliche Thema mit Komödien behandeln könnte, aber der Film wurde ein finanzieller Erfolg. Der Film gewann den Großen Preis der Filmfestspiele von Cannes 1998 und gewann drei Oscars, unter anderem als Bester Hauptdarsteller für „Benigni“.
Die Kanonen von Navarone: Sprengung einer deutschen Festung in der Ägäis
The Guns of Navarone (1961) basiert auf dem Roman von 1957 und ist ein britisch-amerikanischer Kriegsfilm von J. Lee Thompson. Inspiriert von der Schlacht von Leros während des Dodekanes-Feldzugs, spielen Gregory Peck, David Niven und Anthony Quinn die Hauptrollen.
Die Handlung ist unkompliziert: Eine alliierte Kommandoeinheit versucht, eine scheinbar uneinnehmbare deutsche Festung auf der griechischen Insel Navarone zu zerstören. Die Festung bedroht alliierte Marineschiffe in der Ägäis. Es ist ein Katz-und-Maus-Spiel, bei dem es um hohe Einsätze geht. Der Film war ein Riesenerfolg und spielte weltweit 29 Millionen US-Dollar bei einem Budget von 6 Millionen US-Dollar ein, was für die damalige Zeit eine beachtliche Summe war.
Dünkirchen: Nolans dreigleisige Evakuierungsgeschichte
Christopher Nolan ist Regisseur des Films „Dunkirk“ aus dem Jahr 2017, in dem es um die Evakuierung alliierter Truppen aus der französischen Stadt geht, bevor Nazi-Truppen das Gebiet sichern konnten. Tom Hardy, Kenneth Branagh und Mark Rylance spielen die Hauptrollen, Hans Zimmer liefert die Partitur.
Nolan strukturiert den Film aus drei Perspektiven: Land, Meer und Luft. Der Dialog ist minimal. Stattdessen baut sich die Spannung durch die Kinematographie und Zimmers intensive Musik auf. Der Ansatz hat funktioniert. Dunkirk erhielt acht Oscar-Nominierungen, darunter „Bester Film“ und „Beste Regie“. Kritiker lobten das Drehbuch, die Regie und den visuellen Stil, einige bezeichneten es als Nolans bisher bestes Werk.
Inglourious Basterds: Tarantinos gewalttätige Neufassung der Geschichte
Quentin Tarantino greift historische Fiktion auf und verwandelt sie in pure Unterhaltung. Inglorious Basterds (2009) nutzt nicht-fiktionales Quellenmaterial, um eine unzusammenhängende, aber zufriedenstellende Erzählung zu erschaffen. Brad Pitt leitet ein Team jüdisch-amerikanischer Soldaten auf der Mission, Nazi-Soldaten aufzuspüren, sie zu foltern und zu töten.
Tarantino nimmt Anleihen bei Filmen wie „Das schmutzige Dutzend“ und dem italienischen Film „Die unglorreichen Bastarde“ von 1978. Mit Oberst Hans Landa, gespielt von Christoph Waltz, erschafft er einen Bösewicht, der sowohl liebenswert als auch abstoßend ist. Der Film gipfelt in einem gewaltsamen Ende von Adolf Hitler, einem erzählerischen Ergebnis, das die Geschichte anerkanntermaßen nie geliefert hat. Es ist übertrieben, blutig und eindeutig Tarantino.
8. Die große Flucht (1963)
Drei Stunden. Das ist eine lange Zeit für einen Film aus dem Jahr 1963. Aber The Great Escape verdient jede einzelne Minute. Sie benötigen das Setup. Du brauchst das Graben. Sie brauchen die Ausführung. Und es zahlt sich aus, hart.
Steve McQueen und James Garner sind hier die Stars, und die Chemie zwischen ihnen ist etwas, wofür ein Regisseur von 2016 töten würde. Sie hatten eine unmittelbare Verbindung. Sie waren konkurrenzfähig. Es wurde direkt auf den Bildschirm übersetzt.
Die ersten beiden Akte neigen zur Komödie. Der dritte Akt liefert die Handlung. Es ist ein seltener Film, der jedem im Publikum etwas gibt. Die Prämisse ist einfach: Nehmen Sie eine Gruppe von Kriegsgefangenen aus dem Zweiten Weltkrieg, sagen Sie ihnen, dass sie in einem unausweichlichen Lager gefangen sind, und beobachten Sie, was passiert. Herausforderung angenommen.
7. Briefe von Iwo Jima (2006)
Man kann nicht über Briefe von Iwo Jima sprechen, ohne Flaggen unserer Väter anzusprechen. Sie sind Zwillinge. Gleiche Geschichte. Gegensätzliche Perspektiven.
Clint Eastwood hat beide Filme mit einer einheitlichen Tonalität gehandhabt. Er erzählte ehrenvoll die Geschichten von Soldaten auf beiden Seiten des Pazifikfeldzugs. Aber Letters From Iwo Jima hat etwas Besonderes geleistet. Es gab dem Feind Menschlichkeit. Es fing eine Seite des Krieges ein, die noch nie zuvor im Film gut dargestellt worden war.
Es ist schwer, den jungen Männern die Schuld zu geben, die für diktatorische Herrscher gekämpft haben. Viele wurden in Ehren-Scham-Kulturen hineingeboren, in denen Patriotismus und Nationalismus an die Existenz selbst gebunden waren. Eastwood besetzte Ken Watanabe als General Kuribayashi, und das war die richtige Entscheidung. Watanabe kann alles tun. Er beherrscht die Rolle.
6. Die Brücke am Kwai (1957)
Filme, die innerhalb eines Jahrzehnts nach dem Ende des Zweiten Weltkriegs gedreht wurden, haben eine andere Energie. Die Brücke am Kwai ist eine davon. George Lucas sah diesen Film und wusste sofort, dass Alec Guinness sein Obi-Wan Kenobi war.
Guinness hatte die Gabe, Aufmerksamkeit zu erregen. In „Bridge on the River Kwai“ spielt er Colonel Nicholson, einen britischen Kriegsgefangenen in einem japanischen Lager. Die Japaner befehlen ihm, seine Mitgefangenen beim Bau einer Eisenbahnbrücke über einen nahe gelegenen Fluss für die Eisenbahnstrecke Burma-Siam anzuleiten.
Nicholson hat keine Kontrolle über die gegnerischen Kräfte. Sein erster Instinkt ist, das Projekt zu sabotieren. Stattdessen ist er sehr stolz auf die Konstruktion. Die Brücke wird zur Obsession. Der Oberst und die unter seinem Kommando stehenden Gefangenen wissen nicht, dass bereits eine alliierte Mission zur Zerstörung der Brücke im Gange ist.
5. Komm und sieh (1985)
Während des Kalten Krieges ging so viel russisches Kino verloren oder wurde vom amerikanischen Publikum ignoriert. Es herrschte eine allgemeine Verachtung für die Sowjetunion, die verhinderte, dass viele Meisterwerke die Massen erreichten.
Come and See (ursprünglich Idi I Smotri, was wörtlich übersetzt „Geh und schau“) ist ein Meisterwerk von Elem Klimov aus der Mitte der 1980er Jahre. Die Geschichte handelt von einem 13-jährigen belarussischen Jungen. Er findet ein altes Gewehr. Er übernimmt die Bewaffnung. Er beginnt den Kampf gegen die einmarschierenden deutschen Streitkräfte.
Für die meisten Zuschauer ist dies der unbekannteste Eintrag auf der Liste. Historiker des Zweiten Weltkriegs könnten jedoch argumentieren, dass es sich um einen der großartigsten, wenn nicht um den großartigsten Film handelt, der je gedreht wurde. Wenn Sie dachten, dass Saving Private Ryan das Geschichtenerzählen voranbringt, indem es die Schrecken des Krieges zeigt, dann hat Come and See das Gleiche über ein Jahrzehnt zuvor getan. Ein Kind mitten im Kampf zu nutzen, um die Übel des Krieges anzudeuten, ist ein wirkungsvolles filmisches Mittel. Es trifft anders als jede Actionsequenz.
4. Schindlers Liste (1993)
Schindlers Liste ist einfach einer der großartigsten Filme aller Zeiten. Der 1993 erschienene Film gewann bei der 66. Oscarverleihung den Preis für den besten Film und sechs weitere Oscars.
Steven Spielbergs Film handelt vom echten Oskar Schindler. Schindler war ein deutscher Geschäftsmann, der während des Holocaust über 1.000 polnischen Juden das Leben rettete, indem er ihnen Arbeitsplätze in seinen Fabriken verschaffte. Der Film ist herzzerreißend. Es ist auch inspirierend.
Schindler war ursprünglich von Gier motiviert. Dann wurde er Zeuge mehrerer Gräueltaten der Nazis. Er war zutiefst betroffen. Obwohl Schindler ein wohlhabendes und einflussreiches Mitglied der NSDAP war, schmiedete er heimlich Pläne, so viele Leben wie möglich zu retten. Dabei hat er sein ganzes Vermögen vergeudet.
Der Film ist eine deutliche Erinnerung an unaussprechliche Übel, die vor nicht einmal einem Jahrhundert existierten. Am Ende schämt sich Schindler unglaublich für seine Taten. Er wünschte, er hätte mehr tun können.
3. Das Boot (1981)
Wolfgang Petersen hat sich mit Das Boot selbst übertroffen. Das Thema ist schwer. Das Ausgangsmaterial ist solide. Er schuf ein nahezu perfektes Kinoerlebnis.
Es gibt Filme aus dem Zweiten Weltkrieg, bei denen man „Wow“ sagt. Dann gibt es Filme aus dem Zweiten Weltkrieg, die einem den Magen umdrehen. Dies ist Letzteres. Dem Feind die menschliche Perspektive anzubieten, ist ein ehrgeiziges Unterfangen. Dann nehmen Sie dieses Element und stecken es in ein Stahlrohr unter der Meeresoberfläche. Dieser Film ist eine mentale Herausforderung.
Das Boot erzählt die Geschichte einer konkreten deutschen U-Boot-Besatzung. Sie werden täglich auf die Probe gestellt. Anspruchsvolle, gewagte und nahezu unmögliche Missionen strömen von den Vorgesetzten. Unterdessen muss sich die Besatzung mit der Realität auseinandersetzen, dass sie nichts anderes als entbehrliche Ressourcen des Dritten Reiches sind.
Der Slogan sagt alles: „40.000 Männer wurden auf deutschen U-Booten ausgesandt … 30.000 kehrten nie zurück.“
Spielbergs technischer Sprung und die Geburt des Kriegs-FPS
„Der Soldat James Ryan“ hat nicht nur einen Oscar für „Steven Spielberg“ gewonnen; es veränderte die Grammatik des Kinos selbst. Während sich der Regisseur schon seit langem für Erzählungen über den Zweiten Weltkrieg interessierte – geprägt durch den Dienst seines Vaters und die klassischen Filme dieser Ära –, sprengte dieser Beitrag von 1998 technische Grenzen. Die hier vorgestellten neuen Kinematographietechniken blieben nicht auf der Leinwand. Sie sind in die Spielebranche eingestiegen und haben direkt den Grundstein für kriegsbasierte Ego-Shooter gelegt. Von der visuellen Sprache dieses Films lässt sich eine direkte Verbindung zur Mechanik der ursprünglichen Medal of Honor verfolgen.
Der Film bereitete auch die Bühne für „Band of Brothers“ und bewies, dass das Ausmaß und die Intensität des Krieges im Fernsehen mit ähnlicher Ernsthaftigkeit dargestellt werden konnten. Es gilt als einer von Spielbergs Karriere-Höhepunkten, ein Werk, das sich seiner Aktualität verweigert.
Warum sich die dünne rote Linie wie Poesie und nicht wie Propaganda anfühlt
The Thin Red Line stellt eine andere Frage. Wenn Film eine Form der bildenden Kunst ist, kann man dann auf den Dialog verzichten und trotzdem die Wahrheit sagen? Terrence Malick sagt ja. Er verlässt das europäische Theater und zieht in die feuchte, brutale Landschaft von Guadalcanal im Pazifik ein. Hier gibt es keinen großen Erzählbogen. Stattdessen ist der Film eine Sammlung unzusammenhängender persönlicher Geschichten und visueller Poesie, die die Schichten des Geistes des Soldaten sichtbar macht.
Du siehst die Angst. Die Loyalität. Die Zweifel. Und schließlich der Mut. Es ist sicherlich ein erworbener Geschmack. Malicks Arbeit ist oft experimentell und lässt manche Zuschauer kalt. Aber der Gewinn ist immens. Kombinieren Sie diese visuelle Intensität mit der Hans Zimmer -Partitur und den melanesischen Chören, und Sie erhalten etwas, das Ihnen nicht nur den Krieg zeigt; Damit können Sie die Stille in einem Helm genießen.
