Edwin Starr a posé la question en 1970. “La guerre ! Hein ! Ouais. A quoi ça sert… absolument à rien.” Il avait raison. Mais Hollywood continue de faire des films sur ce sujet. Plus précisément, sur la Seconde Guerre mondiale.
Le mot « gloire » vient du latin gloria, qui signifie poids ou substance incroyable. Il est facile de glorifier le camp allié car les puissances de l’Axe étaient indéniablement mauvaises. Les gens adorent les histoires de rédemption, même lorsqu’elles sont écrites du point de vue des gagnants. Voici un aperçu de douze films qui définissent ce genre, en commençant par les entrées les plus granuleuses et moins raffinées qui frappent toujours fort.
The Dirty Dozen : le modèle d’action d’ensemble original
Sorti en 1967, The Dirty Dozen est le film par excellence alimenté à la testostérone. Il exploite le « guerrier en herbe » chez n’importe quel spectateur. Le principe implique un groupe de prisonniers militaires condamnés à mort ou à de longues peines de prison. Juste avant le jour J, on leur propose une mission à haut risque.
Lee Marvin mène la charge. Son personnage est parachuté sur le territoire allemand avec cet équipage pour détruire les officiers préparant une contre-attaque le jour J. L’histoire est inspirée du vrai Filthy Thirteen.
Malgré le manque de VFX modernes, l’histoire se maintient. La formule reste populaire aujourd’hui, vue dans des films comme Suicide Squad. Il survit parce que la dynamique des personnages dirige l’intrigue.
Chute : le regard définitif sur les derniers jours d’Hitler
Vous avez probablement vu les mèmes parodiques. Les clips d’Hitler en colère sont partout. Certains sont vraiment drôles. Mais le matériel source est sérieux. Downfall (2004) est l’un des meilleurs biopics sur le sujet.
Le film est basé sur les journaux et les mémoires de Traudl Junge, secrétaire d’Hitler durant les derniers jours du Troisième Reich. Il offre un aperçu intime d’un leader charismatique s’effondrant vers une mort certaine. Le film met également en lumière Joseph Goebbels et Heinrich Himmler.
Cela nous rappelle de manière stupéfiante qu’aucune énergie n’est entièrement durable. La défaite militaire est évidente, mais la véritable horreur est la désintégration personnelle.
Le Pianiste : Survie dans les ruines de Varsovie
Adrien Brody a remporté un Oscar pour son rôle de Wladyslaw Szpilman dans Le Pianiste de Roman Polanski (2002). L’histoire est basée sur le livre de Szpilman, publié peu après la Seconde Guerre mondiale. Il est resté hors des étagères pendant des années en raison du régime communiste au pouvoir en Pologne, offrant une perspective en dehors du récit de guerre « officiel ».
Le film raconte la vie de Szpilman dans la Pologne occupée par l’Allemagne à partir de 1939. Alors que sa famille et ses amis sont envoyés dans les camps de travail et d’extermination nazis, il s’échappe. Il se cache pendant des années dans les ruines bombardées de Varsovie.
Polanski réalise avec une tonalité sombre et un rythme qui ne permet pas de détourner le regard. Brody brille comme une étincelle dans l’obscurité enveloppante. C’est de l’horreur non-fictionnelle.
Empire du Soleil : l’entrée méconnue de Spielberg sur la Seconde Guerre mondiale
Steven Spielberg a réalisé deux films sur cette liste. La Liste de Schindler est le choix évident, mais Empire du Soleil (1987) passe systématiquement entre les mailles du filet. Il offre une perspective unique en dehors de la campagne européenne.
Se déroulant dans la Chine occupée par le Japon, Christian Bale incarne James Graham. Il est séparé de ses parents à Shanghai. Après avoir survécu seul, il est capturé et envoyé dans un camp de confinement. Il y devient l’un des prisonniers les plus populaires.
Le film est vaguement basé sur la vie de l’auteur britannique J.G. Ballard. Il s’agit d’un autre type de film de guerre, axé sur la survie et l’adaptation dans un environnement extraterrestre.
Ennemi aux portes : le duel de tireurs d’élite de Stalingrad
La bataille de Stalingrad, qui dure cinq mois, constitue la toile de fond de Enemy at the Gates (2001). Basé sur le livre non fictionnel de William Craig de 1973, il décrit les événements des hivers 1942 et 1943. Hitler croyait que son armée était invincible. Staline voulait sauver la ville qui porte son nom.
Le personnage principal est une version romancée de Vasily Zaytsev, un héros de l’Union soviétique. Le film comprend un duel décisif entre Zaitsev et le major Erwin König, directeur d’une école de tireurs d’élite de la Wehrmacht.
C’est une version divertissante d’une bataille historique. Ce n’est pas parfait, mais cela rend bien la tension du siège.
Casablanca : L’histoire d’évasion classique
Casablanca (1942) se déroule pendant la Seconde Guerre mondiale. Il se concentre sur un expatrié américain qui doit choisir entre son amour pour une femme et l’aider, elle et son mari, un chef de la Résistance tchèque, à s’échapper. La ville est sous contrôle de Vichy.
Le classique de Michael Curtiz commence par un narrateur expliquant que les réfugiés de l’Europe occupée cherchaient désespérément à fuir vers l’Amérique. Lisbonne était le point de sortie commun, mais difficile à atteindre. Beaucoup ont fait le périlleux voyage jusqu’à Casablanca au Maroc. Là-bas, les gens feraient n’importe quoi pour obtenir des visas de sortie.
Le film met en vedette Humphrey Bogart, Ingrid Bergman et Paul Henreid. Le casting comprend Claude Rains, Conrad Veidt, Sydney Greenstreet, Peter Lorre et Dooley Wilson. Il a remporté plusieurs Oscars, dont celui du meilleur film, et se classe régulièrement en tête des listes des plus grands films de l’histoire.
Fury : l’équipage du char de Pitt se bat pendant les derniers jours de la guerre
Fury de David Ayer vous plonge en 1945, au moment même où les forces alliées se dirigent vers le cœur de l’Allemagne nazie. Brad Pitt incarne Wardaddy, un sergent commandant un char Sherman et un équipage composé de Shia LaBeouf, Logan Lerman, Michael Peña, Jon Bernthal et Jason Isaacs. Ce n’est pas une histoire propre. Une recrue est poussée dans son peloton et les chances sont lourdes contre elle. En infériorité numérique et sous-armés, ils frappent les lignes ennemies dans une aventure désordonnée et pleine d’adrénaline.
Le film a été bien accueilli par le public et la critique. Le jeu des acteurs a du poids et la représentation de l’horreur de la guerre semble brute plutôt que aseptisée.
Le Tombeau des Lucioles : Un chef-d’œuvre de Ghibli sur la survie aux bombardements
Le Studio Ghibli n’a pas toujours réalisé des aventures légères. Le Tombeau des lucioles (1988) est basé sur la nouvelle semi-autobiographique d’Akiyuki Nosaka de 1967. Situé à Kobe, au Japon, il suit Seita et sa sœur Setsuko, âgée de quatre ans, pendant les derniers mois de la Seconde Guerre mondiale. Les bombes incendiaires américaines déchirent leur famille, laissant le frère adolescent garder sa petite sœur en vie.
C’est un regard déchirant sur la survie. Roger Ebert l’a qualifié de l’un des films de guerre les plus puissants jamais réalisés, l’ajoutant à sa liste de grands films en 2000. L’animation est exquise, mais l’histoire est un rappel brutal de ce qui se passe lorsque la vie civile entre en collision avec la guerre totale.
La vie est belle : comment l’humour a survécu à l’Holocauste
Roberto Benigni incarne Guido Orefice dans La vie est belle (1997). C’est un libraire juif italien qui utilise sa personnalité excentrique et comique pour protéger son fils de la réalité de l’internement dans un camp de concentration nazi. Le film s’inspire du livre In the End, I Beat Hitler de Rubino Romeo Salmonì, ainsi que des expériences du père de Benigni, qui a passé deux ans dans un camp de travail allemand.
Le film est une histoire d’amour, de courage et de force intérieure. Les critiques ont débattu de l’utilisation de la comédie pour aborder des sujets aussi horribles, mais le film est devenu un succès financier. Il a remporté le Grand Prix du Festival de Cannes 1998 et a remporté trois Oscars, dont celui du meilleur acteur pour Benigni.
Les canons de Navarone : faire exploser une forteresse allemande en mer Égée
Basé sur le roman de 1957, The Guns of Navarone (1961) est un film de guerre anglo-américain réalisé par J. Lee Thompson. Inspiré de la bataille de Leros lors de la campagne du Dodécanèse, il met en vedette Gregory Peck, David Niven et Anthony Quinn.
L’intrigue est simple : une unité commando alliée tente de détruire une forteresse allemande apparemment imprenable sur l’île grecque de Navarone. La forteresse menace les navires alliés dans la mer Égée. C’est un jeu du chat et de la souris aux enjeux élevés. Le film a été un énorme succès, rapportant 29 millions de dollars dans le monde sur un budget de 6 millions de dollars, ce qui était une somme importante pour l’époque.
Dunkerque : l’histoire d’évacuation en trois volets de Nolan
Christopher Nolan réalise le film Dunkerque de 2017, qui se concentre sur l’évacuation des troupes alliées de la ville française avant que les forces nazies ne puissent sécuriser la zone. Tom Hardy, Kenneth Branagh et Mark Rylance sont co-stars, avec Hans Zimmer fournissant la partition.
Nolan structure le film sous trois angles : la terre, la mer et l’air. Le dialogue est minime. Au lieu de cela, le suspense se construit grâce à la cinématographie et à la partition musicale intense de Zimmer. L’approche a fonctionné. Dunkirk a reçu huit nominations aux Oscars, dont celles du meilleur film et du meilleur réalisateur. Les critiques ont loué le scénario, la réalisation et le style visuel, certains le qualifiant de meilleure œuvre de Nolan à ce jour.
Inglourious Basterds : la réécriture violente de l’histoire par Tarantino
Quentin Tarantino prend la fiction historique et la transforme en pur divertissement. Inglorious Basterds (2009) utilise des sources non-fictionnelles pour créer un récit décousu mais satisfaisant. Brad Pitt dirige une équipe de soldats juifs américains en mission pour traquer les soldats nazis, les torturer et les tuer.
Tarantino emprunte à des films comme The Dirty Dozen et au film italien de 1978 The Inglorious Bastards. Il crée un méchant dans le colonel Hans Landa, joué par Christoph Waltz, qui est à la fois adorable et dégoûtant. Le film culmine avec la fin violente d’Adolf Hitler, un dénouement narratif que l’histoire n’a jamais accepté. C’est exagéré, sanglant et distinctement Tarantino.
8. La grande évasion (1963)
Trois heures. C’est long pour un film réalisé en 1963. Mais La Grande Évasion gagne chaque minute. Vous avez besoin de la configuration. Vous avez besoin de creuser. Vous avez besoin de l’exécution. Et ça paye, durement.
Steve McQueen et James Garner sont les stars ici, et l’alchimie entre eux est quelque chose pour laquelle un réalisateur de 2016 tuerait. Ils ont eu une relation immédiate. Ils étaient compétitifs. Cela s’est traduit directement à l’écran.
Les deux premiers actes penchent vers la comédie. Le troisième acte livre l’action. C’est un film rare qui donne un peu à chacun dans le public. Le principe est simple : prenez un groupe de prisonniers de guerre de la Seconde Guerre mondiale, dites-leur qu’ils sont piégés dans un camp incontournable et observez ce qui se passe. Défi accepté.
7. Lettres d’Iwo Jima (2006)
Vous ne pouvez pas parler des Lettres d’Iwo Jima sans évoquer les Drapeaux de nos pères. Ce sont des jumeaux. Même histoire. Des perspectives opposées.
Clint Eastwood a traité les deux films avec une tonalité cohérente. Il a raconté avec honneur les histoires des soldats des deux côtés de la campagne du Pacifique. Mais Letters From Iwo Jima a fait quelque chose de spécial. Cela a donné de l’humanité à l’ennemi. Il a capturé un aspect de la guerre qui n’avait jamais été bien représenté au cinéma auparavant.
Il est difficile de blâmer les jeunes hommes qui se sont battus pour des dirigeants dictatoriaux. Beaucoup sont nés dans des cultures d’honneur et de honte où le patriotisme et le nationalisme étaient liés à l’existence elle-même. Eastwood a choisi Ken Watanabe pour incarner le général Kuribayashi, et c’était la bonne décision. Watanabe peut tout faire. Il commande le rôle.
6. Le pont sur la rivière Kwaï (1957)
Les films réalisés dans la décennie qui a suivi la fin de la Seconde Guerre mondiale ont une énergie différente. Le pont sur la rivière Kwaï en fait partie. George Lucas a vu ce film et a immédiatement su qu’Alec Guinness était son Obi-Wan Kenobi.
La Guinness avait le don d’attirer l’attention. Dans Bridge on the River Kwai, il incarne le colonel Nicholson, un prisonnier de guerre britannique dans un camp japonais. Les Japonais lui ordonnent de diriger ses codétenus dans la construction d’un pont ferroviaire sur une rivière voisine pour desservir le chemin de fer Birmanie-Siam.
Nicholson n’a aucun contrôle sur les forces adverses. Son premier réflexe est de saboter le projet. Au contraire, il est très fier de la construction. Le pont devient une obsession. Le colonel et les prisonniers sous ses ordres ne savent pas qu’une mission alliée visant à détruire le pont est déjà en cours.
5. Venez et voyez (1985)
Une grande partie du cinéma russe a été perdue ou ignorée par le public américain pendant la guerre froide. Il y avait un mépris général pour l’Union soviétique qui empêchait de nombreux chefs-d’œuvre d’atteindre les masses.
Come and See (à l’origine Idi I Smotri, qui se traduit littéralement par « Allez et regardez ») est un chef-d’œuvre du milieu des années 1980 d’Elem Klimov. L’histoire suit un garçon biélorusse de 13 ans. Il trouve un vieux fusil. Il prend l’armement. Il se lance dans la lutte contre les envahisseurs allemands.
Il s’agit de l’entrée la plus obscure de la liste pour la plupart des téléspectateurs. Cependant, les historiens de la Seconde Guerre mondiale pourraient affirmer qu’il s’agit de l’un des plus grands, sinon du plus grand film jamais réalisé. Si vous pensiez que Saving Private Ryan avait fait progresser la narration en montrant les horreurs de la guerre, Come and See avait fait la même chose plus d’une décennie plus tôt. Utiliser un enfant en proie à un combat pour suggérer les maux de la guerre est un dispositif cinématographique puissant. Cela frappe différemment de n’importe quelle séquence d’action.
4. La Liste de Schindler (1993)
La Liste de Schindler est tout simplement l’un des plus grands films de tous les temps. Sorti en 1993, le film a remporté le prix du meilleur film et six autres Oscars lors de la 66e cérémonie des Oscars.
Le film de Steven Spielberg parle du vrai Oskar Schindler. Schindler était un homme d’affaires allemand qui a sauvé la vie de plus de 1 000 Juifs polonais pendant l’Holocauste en leur donnant du travail dans ses usines. Le film est déchirant. C’est aussi inspirant.
Schindler était à l’origine motivé par la cupidité. Puis il fut témoin de plusieurs atrocités nazies. Il en fut profondément affecté. Bien qu’il soit un membre riche et influent du parti nazi, Schindler a secrètement élaboré des plans pour sauver autant de vies que possible. Il a fait exploser toute sa fortune dans la foulée.
Le film est un rappel brutal de maux indescriptibles qui existaient il y a à peine un siècle. En fin de compte, Schindler se sent incroyablement honteux de ses actes. Il aurait aimé pouvoir faire plus.
3. Le démarrage (1981)
Wolfgang Petersen s’est surpassé avec Das Boot. Le sujet est lourd. Le matériau source est solide. Il a réalisé une expérience cinématographique presque parfaite.
Il y a des films sur la Seconde Guerre mondiale qui vous font dire « wow ». Ensuite, il y a les films sur la Seconde Guerre mondiale qui vous retournent l’estomac. C’est ce dernier. Offrir une perspective humaine à l’ennemi est une entreprise ambitieuse. Ensuite, vous prenez cet élément et vous le collez dans un tube d’acier sous la surface de l’océan. Ce film est un travail mental.
Das Boot raconte l’histoire d’un équipage de sous-marin allemand spécifique. Ils sont quotidiennement mis à l’épreuve. Des missions exigeantes, audacieuses et presque impossibles émanent des supérieurs. Pendant ce temps, l’équipage se rend compte qu’ils ne sont rien d’autre que des ressources consommables du Troisième Reich.
Le slogan dit tout : “40 000 hommes ont été envoyés sur des sous-marins allemands… 30 000 ne sont jamais revenus.”
Le saut technique de Spielberg et la naissance du FPS de guerre
Il faut sauver le soldat Ryan n’a pas seulement remporté un Oscar pour Steven Spielberg ; cela a modifié la grammaire du cinéma lui-même. Alors que le réalisateur était depuis longtemps attiré par les récits de la Seconde Guerre mondiale, façonnés par le service de son père et les films classiques de l’époque, ce film de 1998 a repoussé les limites techniques. Les nouvelles techniques cinématographiques introduites ici ne sont pas restées à l’écran. Ils se sont infiltrés dans l’industrie du jeu vidéo, plantant directement la graine des jeux de tir à la première personne basés sur la guerre. Vous pouvez tracer une ligne directe entre le langage visuel de ce film et les mécanismes de la Medal of Honor originale.
Le film a également préparé le terrain pour Band of Brothers, prouvant que l’ampleur et l’intensité de la guerre pouvaient être interprétées à la télévision avec la même gravité. Il s’agit d’un des sommets de la carrière de Spielberg, une œuvre qui refuse de se moderniser.
Pourquoi la fine ligne rouge ressemble à de la poésie, pas à de la propagande
The Thin Red Line pose une question différente. Si le cinéma est une forme d’art visuel, peut-on supprimer le dialogue tout en disant la vérité ? Terrence Malick dit oui. Il abandonne le théâtre européen pour le paysage humide et brutal de Guadalcanal dans le Pacifique. Il n’y a pas ici de grand arc narratif. Au lieu de cela, le film est une collection d’histoires personnelles décousues, une poésie visuelle qui fait ressortir les différentes strates de l’esprit du soldat.
Vous voyez la peur. La fidélité. Les doutes. Et enfin, le courage. C’est un goût acquis, certes. Le travail de Malick est souvent expérimental, laissant certains spectateurs froids. Mais le gain est immense. Associez cette intensité visuelle à la partition de Hans Zimmer et aux chœurs mélanésiens, et vous obtenez quelque chose qui ne vous montre pas seulement la guerre ; il vous permet d’habiter le silence à l’intérieur d’un casque.
